Crítica “Final Cut” de György Pálfi

Crítica “Final Cut” de György Pálfi

 La película “Final Cut” obra del director húngaro György Pálfi, estrenada en 2012 y con una duración aproximada de una hora veinte minutos es un filme realizado a manera de collage. Cabe destacar que su género es drama/romántico y cuenta la historia de una pareja de enamorados y las incidencias que suceden en torno a la relación.

Lo interesante de esta pieza cinematográfica es que utiliza fragmentos de diversas películas para conformarse, estos fragmentos son tomados de toda clase de filmes, sin importar año de estreno, género o director. Los fragmentos son escogidos con base en la trama principal y al unirse van contando una sola historia, es importante destacar el arduo trabajo de edición y postproducción de “Final Cut”, así como la creatividad por parte del director y los escritores para lograr que un tema tantas veces representado, como es el amor y sus vicisitudes, parezca nuevo y original. 

Me parece que la obra se podría abordar de manera reflexiva en torno a los sistemas de representación, ya que en la película se muestran clara y repetidamente roles y arquetipos. ¿Cómo debe reaccionar un hombre?, ¿Cómo debe reaccionar una mujer?, ¿Cómo es el arreglo personal de los hombres?, ¿y el de las mujeres? Quizá no son los sistemas de representación per se el tema que tendría que llevarnos a una reflexión más profunda, sino caer en cuenta que son los mismo sistemas con los que nos hemos (como hombres y mujeres de occidente)  auto referenciando a lo largo de décadas, y quizá en la medida en que  nos auto referenciamos siempre de la misma manera no hay posibilidad de crear una nueva historia, de responder de manera diferente ante los sentimientos o los problemas de la vida; quizá todo es y será siempre cíclico. 

Crítica“My Voice Will Reach You” de Meiro Koizumi

Crítica“My Voice Will Reach You” de Meiro Koizumi

El video “My Voice Will Reach You” realizado por el artista japonés Meiro Koizumi, está estructurado en tres partes: en la primera se puede apreciar a un hombre hablando por un teléfono celular, éste se encuentra en una calle muy transitada, se pueden ver las personas y los carros pasar mientras él mantiene una conversación telefónica con la que pareciera ser su madre, la conversación pareciera no tener mayor importancia, nada más allá de una conversación común y cotidiana. En la segunda parte del video, el audio desaparece y en la pantalla surgen palabras, mismas que conforme van apareciendo, el espectador puede notar que se trata de una carta para una persona que nunca la va a poder recibir.  Finalmente, en la tercera parte, Koizumi vuelve a proyectar la misma conversación del inicio pero ahora con la variante de que se puede escuchar a la persona del otro lado de la línea, dando la oportunidad al espectador de caer en la cuenta de que no es su madre con la que está hablando, sino varias personas que se encuentran totalmente desvinculadas tanto del hombre como de su conversación, es una conversación al aire, a la nada.

Me parece que la pieza tematiza este límite que existe entre lo público y lo privado, de la misma manera que genera una reflexión en torno a una soledad del individuo a pesar de estar inmerso en una ciudad bulliciosa y en una época donde los medios de comunicación aparentemente no tienen límites. También creo que la obra genera un autorreflexión en el sentido de recordar las palabras que no se dijeron y lo gestos que no se hicieron, y que a pesar de estar conscientes de esa imposibilidad de trasmitirlas, se dicen o se hacen, como si realmente esas acciones o palabras llegaran a oídos de esa persona; siendo ese acto realmente, una necesidad de liberación de culpa o remordimiento, disfrazando como un acto de dos la finalidad de uno. 

Film – Samuel Beckett

El video comienza mostrando un ojo, de esto pasa a un exterior donde un hombre al parecer alterado pasa rápidamente cerca de una pareja que después se ve aterrada mirando a la cámara. El hombre entra ahora el edificio, checa su pulso, mientras baja una anciana de las escaleras que se horroriza ante la cámara. Entra el hombre al su departamento donde se encierra, revisa su pulso de nuevo. Ya en el cuarto el hombre desesperado saca a su perro y gato, tapa los espejos y la jaula de su pájaro y pescado,  rompe sus dibujos y todas sus fotografías. No soporta todo lo que tenga mirada. Cuando al fin parece tener paz el hombre reclinado en su silla, este se levanta espantado al verse a sí mismo frente a él mirándolo directo a los ojos.

El hombre estaba aterrado de ver su propia mirada. El que él mismo se aterrara de su propia visión y que las demás personas lo hicieran me hace pensar que lo que se presenciaba era a un muerto, que ya no sabía más si estaba vivo y tenía que corroborar su pulso. Un muerto en vida, que a través de la mirada se reflejaba su alma putrefacta. Toda conexión con algo vivo resultaba muy dolorosa por lo que tenía que ser alejada o destruida. Sin embargo trata de alejarse de todo pero no puede alejarse de él mismo, que al final es el único que lo mira por completo. Una competencia entre el que mira y el que está siendo mirado, entre el hombre consciente e inconsciente.

El video demuestra la imposibilidad de esconderse, ya no hay más privacidad, más aún sí este concepto se traduce a las tecnologías de hoy en día, donde siempre hay la posibilidad de un tercer ojo panóptico que regula todas nuestras acciones, nos volvemos unos paranoicos que ya ni podemos vivir con nosotros mismos.

Reel/Unreel - Francis Alÿs

Este video grabado en las zonas más pobres de Kabul, muestra a dos niños jugando con unas ruedas de cinta cinematográfica. Uno de ellos, que toma la delantera, la va desenrollando, mientras el otro que lo persigue atrás la va enrollando. Los niños recorren mediante esta actividad diversas partes de la ciudad, unas tranquilas y otras más bulliciosas, mostrando a la vez la realidad de la ciudad de Kabul, donde se ven puertas de locales con marcas de balas y lagos de basura en caminos de tierra.  Los niños escapan de su realidad mediante el juego, en un trance que les hace olvidar sus alrededores, la película que carga la rueda que enrollan y desenrollan a la vez se va imprimiendo de la huella del camino, llenándose de tierra. Más adelante el video cada vez más se intensifica, al grado que ya parece una persecución policiaca a toda velocidad. Ya casi al final del video, el rollo de película pasa por fuego, lo que la hace romperla. El niño que perseguía por detrás se da cuenta que continuar ya es vano, mientras la cabeza superior de la película cae y se pierde en un barranco, seguido de una sonrisa libertadora del niño que la impulsaba. El video después pasa un texto blanco en un fondo negro donde se explica un suceso en el cual el Talibán confisco miles de películas del archivo afgano para después quemarlas a las afueras de Kabul, sin embargo estas solamente eran copias que podían ser remplazadas.

Esta obra de Alÿs muestra una victoria reivindicadora ante la adversidad, la posibilidad de tornar una situación adversa para mirar el lado positivo, las posibilidades del juego que se presentan y cómo son jugadas de manera astuta. Las huellas que imprimen en el camino son las que atestiguan de la existencia de estas personas y de la manera que se juega. Por más que se quiera vencerlos no se podrá nunca.

My voice will reach you, Meiro Koizumi

31 de enero del 2017.

Crítica: My voice will reach you
Meiro Koizumi

 En la obra vista la pasada clase, es posible entender y determinar el amplio campo que el arte puede utilizar para generar cambios vibrantes en nuestro ser. La obra se titula My voice will reach you y es realizada por el artista japonés Meiro Koizumi,n la cual está dividida en tres partes. El artista genera un sentimiento de crisis en sus espectadores mediante la visualización del personaje central quien, es representado teniendo una conversación en vía telefónica con su madre. En primera instancia, nos muestra al personaje central, en una ciudad sumergida en sonidos violentos y movimientos continuos. Se encuentra inmerso en una conversación por vía celular, con su madre, según parece.

Posteriormente, el personaje nos lee una carta sobre experiencias de la infancia y recuerdos que se van desvaneciendo en el tiempo, y sólo quedan vivas en el recuerdo del personaje principal. Termina la carta, diciendo que se siente frustrado por no haber entablado una relación más estrecha con su madre al final de la vida. Finalmente, volvemos a ver la escena inicial del chico hablando por el teléfono, pero el artista nos da un detalle extra; y es el hecho de mostrarnos que el chico no hablaba con la madre, sino con empresas que proporcionaban diferentes servicios, y todos se encontraban en confusión al no poder encontrar una relación o un vínculo con el chico que solicitó la llamada.

 Creo que es importante destacar que la muerte es un hecho que en toda vida del hombre nos hace cuestionar nuestra estancia en la tierra. Al ver el video, es imposible no tener este sentimiento de empatía ante la situación del personaje. El acto simbólico ante la muerte de su madre y la frustración de no haber podido decir todo lo de la carta como ritual de deshago.  Como consecuencia, y necesidad de transmitir dichos sentimientos a la madre, el personaje se ve obligado a entablar conversaciones con personas que no entienden su lenguaje; no entienden qué está diciendo, y por lo tanto, se ven obligados a ignorarlo, cortarlo, o ayudarlo pero siempre en los límites de vendedor-comprador y jamás de forma “humana”. Pudimos ver el contraste de una ciudad tan habitada y llena de movimiento, que en su núcleo está sola, despoblada y vacía.

Martes 31 de enero 2017 

Crítica: The Final cut, Hölgyeim és uraim" (2012) de György Pálfi

A través de este filme realizado por György Pálfi, nos muestra el diverso y amplio mundo del cine reciclando las escenas de un abanico de películas. Podría definirse como un collage de pequeñas escenas con temáticas que van variando. No todas las películas mostradas son de un género específico, o tienen una temática en común, sino que su objetivo  es conformar una gran película con una temática propia a partir de un tema que se ha reproducido tantas veces, que ha caído en lo ridículo.

Pálfi busca narrar la historia arquetípica del enamoramiento a primera vista de una mujer que casualmente conoce a un hombre en la gran ciudad. Posteriormente va desarrollando la historia con pasos inherentes al ideal del amor. Como parte primera, se encuentra el cortejo que llevará a la boda, que posteriormente caerán a los celos, y por lo tanto a las peleas incesables que irán degradando la relación. El pequeño clímax sobre el posible rompimiento de la pareja, que generará consciencia en los personajes que no pueden vivir uno sin el otro y por lo tanto, deciden no separase nunca y ser felices por siempre.

El director resuelve los personajes de tal forma que nunca llegamos a conocerlos físicamente, sino es un conjunto de partículas que generan una gran unidad. Conocemos al personaje por sentimientos que posiblemente nos resultan familiares; más allá de que el director cree  un  personaje en específico, nosotros creamos al personaje por nuestro baraje cultural bombardeado por la cantidad de imágenes que vemos en nuestra cotidianeidad.

La forma masiva en que los medios de comunicación agreden a los seres humanos por medios televisivos, entre otros. Así mismo, cómo  las imágenes que constantemente se reproducen crean estereotipos y establecen formas de actuar según lo correcto, que como consecuencia, engendra pequeños seres humanos conformados por los mismos estándares, pensamientos e ideas.
Es la reproducción masiva de personajes idénticos en diferentes envolturas

Historia de seis ideas: Arte, belleza, creatividad, mímesis, experiencia estética. La forma: historia de un término y cinco conceptos

La lectura empieza diciéndonos que a lo largo de ésta se tratará de explicar y exponer las cinco maneras en las que se comprendo el término forma. Las concepciones de este término son las siguientes: forma A, en donde se entiende forma como la disposición de las partes; forma B, en el que se entiende como opuesta al contenido, es decir, como lo que se da directamente a los sentidos: forma C, en la que se comprende como el contorno, en oposición a lo material; forma D, en el que se comprende como los rasgos conceptuales de un objeto, en oposición a los rasgos accidentales de éste; y por último, forma E, en el que se comprende forma como la contribución de la mente a la percepción del objeto percibido, una concepción que viene dada por Kant.

Con respecto a la forma A, el autor nos habla de que esta forma se entiende como disposición de las partes que, en general, a través  de la historia del arte, se ha comprendido como la proporción que existe entre las diferentes partes y elementos que la conforman. Salvo algunos casos divergentes, en los cuales se refutaba esta manera de concebir la forma, dando como razón que si fuese así solo podrían ser aplicados a las cosas complejas y no a las simples,; sin embargo, el sentido de forma como la proporción y relación de número que existe entre las distintas partes de la obra ha sido el imperante en cuanto a la concepción de la forma A.

Con respecto a la forma B, se nos dice que a través de la historia, se ha entendido como aquello que esta dado a lo sentidos, en oposición a lo que sería el contenido. Sobre todo, en el arte poético se ha encontrado esta dicotomía; siendo la belleza de la expresión y musicalidad de la palabra aquello a lo que se refiere como forma en este arte. Si bien así se ha entendido, en general, la forma, el problema de su importancia con respecto al contenido a cambiado notablemente. En la Grecia antigua, los sofistas le daban un grado preeminente con respecto al contenido; aunque Platón y los que lo seguían todo lo contrario. En la Edad Media, se dividió en dos acepciones el concepto de forma y de contenido. En el Renacimiento algunos pusieron como preeminente a la forma y otros al contenido. Mientras que en el siglo XX, en su mayoría, se le dio más peso e importancia a la forma con los movimientos de vanguardia.

En la forma C se entiende a la forma como el contorno de los objetos, como en las figuras geométricas. Este forma se aplica principalmente a las artes visuales, es decir, arquitectura, pintura y escultura. La concepción de esta forma, a diferencia de las dos anteriores, se dio a partir del siglo XV. La manera como se comprendió esta forma era como dibujo, en oposición a la de color. Hasta el siglo XVIII,  el dibujo ocupo un lugar preeminente con respecto al color. Al final de este apartado, se nos dice que en la Antigüedad impero la concepción de forma como la forma A; en el Renacimiento, la forma C, y en el siglo XX, la forma B.

La concepción de la forma D vino de Aristóteles, quien la comprendía como la configuración y esencia de cierta cosa. En la Edad Media se comprendió como esplendor, es decir, como , la forma substancial que se revelaba en la materia.  A diferencia de las concepciones anteriores de forma, la utilización de esta forma se remitió solamente a la Antigüedad y a la Edad Media; aunque con artistas como Piet Mondrian y Ben Nicholson se podría vislumbrar que se entiende forma de esta manera, solamente que se ha enunciado con distintas palabras. Cierra el apartado diciendo que la concepción de Idea de Platón se podría acercar a la manera en la que se comprende esta forma D, salvo que Idea nunca se utilizó prácticamente en el terreno de la estética.

Como última forma, está la forma E, que surgió con la filosofía kantiana , si bien se pueden encontrar como probables precursores las ideas platónicas y también en el Renacimiento, a Nicolás de Cusa; y se entendía como una propiedad de la mente que nos hace percibir las cosas de cierta manera. Estas formas, que son a priori, son el espacio y el tiempo, la causalidad y la sustancia. Kant nos desarrolló formas a priori para la estética, sin embargo, otro filosofo, Fiedler, dijo que la visión se podía considerar como forma a priori de la experiencia estética. Mas adelante, Hidelbrand, desarrolló a mayor profundidad esta concepción, y dijo que la visión se dividía en cercanía y lejanía; para apreciar de manera satisfactoria una obra de arte, debe de existir cierta lejanía que permita apreciar la obra en su conjunto y en su unidad. Sin embargo, al llegar al siglo XX, esta concepción de forma no se consideró absoluta, y se pensó que, más bien, estaba sujeta al cambio de época y tiempo.

Después, nos habla de otras tres concepciones de forma: la forma G, que se entiende como ciertos instrumentos y aparatos que sirven para moldear la obra de arte como en la arquitectura; la forma H, que se entiende como ciertos patrones preestablecidos que el artista debe seguir para realizar su obra, como en la música, la forma sonata o fuga, o en la poesía, la forma soneto; la forma H, que se refiere a  los diferentes tipos o variedades de un mismo arte; y  la forma I, que se comprende como el componente espiritual que moldea la obra.

Concluye la lectura enunciando dos nuevas acepciones de forma: la primera en la que se entiende forma como convención, es decir entender la forma como cierta figura creada conscientemente, que no proviene de la naturaleza sino que es creada intencionalmente por el artista. Y la última forma, que es la L, que se entiende como ley o regla. Es decir, como cierta pauta a seguir en el momento de crear algo, y que sería contraria a lo que se entiende como libertad creativa.

Vicente Martínez Esquivel

Reporte de Lectura

Taller de Crítica

Profesor Napoleón Camacho Brandi

                                                   The Final Cut

En esta película se narra la arquetípica historia de un hombre y una mujer que se encontrarían en la calle, para luego salir juntos, cenar, bailar, enamorarse, hacer el amor; para que después llegue la antigua pareja de la mujer, se peleen los dos hombres, gane la pelea la nueva pareja de la mujer, se casen, salgan en un viaje de ensueño, y una vez que se casen, habituados a la vida en matrimonio, se empiece a perder esa relación idílica en la rutina,; el hombre empiece a descuidar a la mujer por cuestiones de trabajo y cansancio, hasta que la mujer se entera que está embarazada, sin embargo, el hombre por su perdida de contacto con ella, piense que lo que en realidad son sus visitas al médico, es el hecho de que esta viendo a un amante, y el día en que la mujer le fuese a comentar la bella noticia, atacado por los celos y su falsa creencia en la infidelidad de su mujer la abofetee; la mujer salga de la casa devastada a buscar ayuda en su madre o un figura femenina de confianza, el hombre al darse cuenta de su estupidez y mordido por el remordimiento se embriague, y al otro día trate de hablar con ella por teléfono, pero fatalísticamente, al contestar ella, él se arrepienta de llamarle y le cuelgue sin decir palabra, la mujer se quede pasiva y desconcertada; para que luego, el hombre, para olvidar todo esa vergüenza y desolación, se enrole en el ejercito donde pierde la vida en la guerra; y le llegue a su mujer, una vez nacido el bebe, la terrible carta en la cual se entere de la muerte de su marido y quede devastada, y cuando pareciese que por un malentendido todo había terminado en una horrenda tragedia, nos demos cuenta que solo había sido un sueño que había tenido el hombre mientras yacía ebrio; y al despertar, liberado del terrible final de su pesadilla, le llame a su mujer, esta conteste y se acuerden de ver, lo cual hacen los dos llenos de emoción y al encontrarse se den un apasionado beso de amor y reconciliación; aunque la última escena muestre que dentro de todo este amor reconciliatorio, aún el hombre lleva una monstro guardado y peligroso.

La manera en la que se cuenta la historia es por medio de enlazar y asociar fragmentos de muchas películas, en su mayoría hollywoodenses, similares, de tal manera que den el aspecto de que se esta contando una misma historia lineal y con sentido. El hecho de que el cineasta haya decidido hacer esto, muy probablemente tiene que ver con el hecho de que quería demostrar cómo dentro de cierto cine existe un patrón y comportamiento característico de las relaciones amorosas, en las cuales, con pequeñas diferencias, siempre se cuenta la misma historia, con los mismos tipos esenciales de lo que debe ser  un hombre y una mujer, y la manera en la que deben reaccionar ante ciertas situaciones. Probablemente, la razón de que quisiese evidenciar esto, tiene que ver con el hecho de dejar claro como la industria cinematográfica contribuye en gran medida a la creación de arquetipos y de modos de comportamiento “ normales” de cómo debe ser un hombre y una mujer ante circunstancias y relaciones amorosas. Y desde mi punto de vista, creo que dicha creación de arquetipos es en gran medida exitosa, pues mucha gente, aún aunque ya haya visto, esencialmente, la misma historia una y otra vez, sigue ávida de ver la siguiente película romántica en la que vaya a haber un reciclamiento y repetición de los mismos personajes y las mismas situaciones. En ese sentido, la industria cinematográfica es exitosa al crear esta necesidad de consumo de estas pasiones y situaciones en el público.hbatal﷽﷽﷽﷽lici quede pasiva y debd de su marido y quede devastada, y cuando parec donde pierde la vida en acci quede pasiva y de

My voice would reach you

My voice would reach you

La obra a la que nos enfrentamos se trata de una instalación que se hizo como parte de MAM project 009 y consiste en una instalación que contiene una carta y un video. Lo visto en clase fue el resultado en video de un guion escrito con base en esa carta y que se le dio un actor para que lo dijera llamando a más de doscientas compañías, no importando le contestaran el video seguía y se volvía muy interesantes las reacciones de los empleados.

La estructura del video es la siguiente: primero se ve a un personaje entablando una conversación telefónica con su madre, le pregunta como está, le dice que ya es lo suficientemente adulto como para que le siga mandando arroz, y la trata de convencer de hacer un viaje de vacaciones a algún destino soleado, hay un punto en que la línea se corta y con ella el video, hacia el final esta primera parte se nota un salto entre tomas lo que hace sospechar que no se trata de una, sino de varias llamadas.

En la siguiente parte, que es en gran medida la que devela lo ocurrido en la primera se lee la carta de un hombre a su madre fallecida de alto contenido emocional, en ella  se cuentan cosas de su pasado común y como hay pequeños de talles que fueron significativos para la vida del hombre  en cuestión. Durante la lectura de la carta aparece en pantalla las líneas que se van leyendo usando de fondo imágenes de la bulliciosa ciudad de Tokio donde tiene lugar todo el video,  aparece también un acompañamiento musical para reforzar los sentimientos puestos en la carta. Con esto concluye la segunda parte

En la tercera y última parte del video se ve de nuevo al hombre repitiendo la misma conversación, la música sigue y se agrega el audio de las respuestas, ahí cobra sentido el título de la obra y como el personaje trata de usar el teléfono como puente de comunicación con su madre, en esta parte del video pierde importancia la continuidad del guion, pero la ganan las respuestas de quienes contestan el teléfono quienes desconcertados por cómo se sigue la conversación intentan dotar de sentido aquello que escuchan .

El video juega entonces con distintos factores, el más evidente es el del dolor ante la muerte de un ser querido y los intentos por recuperar aquello que es imposible, pero también juega un papel importante la localidad y las imágenes de la misma que acompañan el video dando cuenta de la cantidad de personas con las que vive el personaje y que aun así el sentimiento de soledad persiste y se vuelve protagonista.

Es en ese sentido que creo se puede conectar con el tema de la película del 2013 “Her” dirigida por Spike Jonze en la que es justo a través  de un dispositivo similar a un teléfono el personaje principal Theodore Twombly entabla una relación con alguien que no existía solo para darse cuenta de que se encontraba solo en medio de tanta gente.

El tema se puede extender a muchos ejemplos que las sociedades con una masa poblacional  altísima generan como reflejo de sí mismas, que generan nuevas dinámicas de interacción interpersonal y la nostalgia por las antiguas al punto de una crítica a este alejarse de las personas cercanas. Creo es en ese sentido que las reflexiones sobre el video de Meiro Koizumi son una buena base de diagnóstico sobre el tipo de sociedad  que tenemos y como ésta afecta la manera de lidiar con nuestras experiencias más allá del carácter emocional de las mismas.

Referencias

Her. (2013). [DVD] Hollywood: Spike Jonze.

My voice would reach you. (2013), MAM, Meiro Koizumi

Final Cut: Ladies and Gentleman

Final Cut: Hölgyeim és uraim (Final Cut: Ladies and Gentlemen) - 2012 - György Pálfi

De la mano de mega upload y otras maravillas que permite internet, llega a nosotros el filme de György Pálfi, generado con fragmentos de escenas y soundtracks de muchísimas películas en las que se juega con las imágenes comunes de la industria cinematográfica, imágenes que trascienden el género mismo de las películas utilizadas, en algunos casos incluso la descontextualización de escenas nos permite acentuar estos lugares donde convergen los imaginarios que el cine se ha encargado de implantar en nosotros.

En muchas ocasiones (no todas, pero muchas) el cine, sobretodo el comercial, se encarga de vender las historias a las que dan vida en la pantalla como originales e irrepetibles, pero que generan empatía con el público. En gran medida es verdad, pero ¿por qué? La respuesta que arroja Final Cut es un tanto tenebrosa si lo pensamos como el compendio de experiencias que no se gestan en nosotros pero que asumimos como nuestras que definen lo que queremos ser, lo que debemos hacer y lo que debemos evitar en cada uno de nuestros roles en la vida cotidiana.

Sin embargo, no todo es malo con la manipulación, la película muestra fragmentos de películas de Tarkovski y Kurosawa, en un contexto sumamente lejano al que plantea la línea narrativa del resto de la obra, ese que parece un acto de profanación por el lugar que se ganaron en la historia del cine, se vuelve importante cuando se piensa en la posibilidad de darle el giro a algo al punto de ponerlo en el nivel del resto, lo mismo con el audio, las frases escogidas para conservar la linealidad de la historia y subrayar situaciones específicas, desviando la atención de un burdo collage a la historia eligiendo donde debía ponerse atención.

Tal vez es eso lo que define mejor Final Cut, la habilidad de encontrar los puntos comunes del cine y luego mostrarnos que no todo está dicho que aún el cine y el resto de las artes pueden decidir en qué parte del cliché posar la mirada para salir del cliché mismo.

My voice will reach you

My Voice will reach you

En el vídeo se muestra a un hombre en algún punto de la grande ciudad de Tokio, él habla por teléfono con una persona a la que no se muestra pero que por los diálogos reconocemos como su madre. Ella le hace preguntas mostrando la preocupación que tiene por su hijo ahora que no viven juntos, él responde a sus preguntas de una manera un tanto cortante.

La voz de la madre se deja de escuchar y por la reacción de él entendemos que ha muerto, comienza por agradecerle todas las atenciones que ha tenido con él y el haber entregado su vida para que él pudiera estar bien. El personaje continua hablando por teléfono normalmente, como si nada hubiera sucedido, comienza a llamar a números donde es seguro que alguien va a atender a su llamada, centros de atención  a clientes, por ejemplo.

A pesar de que se encuentra parado en una esquina, viendo pasar cientos de personas, cada una con una vida independiente a la de él, éste se encuentra totalmente solo. En este momento el vídeo muestra tomas de distintas partes de la ciudad que en la que él se encuentra sufriendo la pérdida de su madre. Estas tomas dejan en evidencia el hecho universal de que para alguna persona, un cierto día haya cambiado radicalmente su vida, como la perdida de la madre y que para el resto de la gente aquel día continua como otro cualquiera. Con un evento tal como la muerte de otro, pero aún más importante con la muerte de la madre se pone en perspectiva la vida misma y cada memoria que se tenga acerca ella se magnifica y se vuelve única. Aquello tan común como la muerte le sucede a alguien que como hijos esperamos nunca se vaya, pues nos es difícil reconocernos sin ella. 

Ahora estamos por nuestra cuenta, sin alguien como nuestra madre que se preocupe por nosotros, que se preocupe si ya comimos, por ejemplo; caemos en cuenta de que a pesar que las preguntas que ella hacia podían ser repetitivas, nos mostraban que para alguien eramos lo primero, cuando reconocemos que ya nadie va a sentir esa preocupación por nosotros, es cuando nuevamente buscamos a nuestra madre como recién nacidos que buscan el pecho por hambre. 

Final Cut

Estrenada en el año 2012, Final Cut, película dirigida por el húngaro György Pálfi, muestra una recopilación de fragmentos variados de distintas películas que en la unión, conforman una sola narrativa: la historia de amor por excelencia. Desde el momento en que da inicio la película y aparecen en pantalla un aglomerado de nombres que conforman las siluetas de una pareja en el momento del beso, se puede prever el argumento.

Aquel romance con el que la gran mayoría se pueda sentir  identificada. La historia es simple: un hombre se enamora de una bella mujer, ambos comienzan una relación y en algún punto la relación que mantienen se ve trastocada por algún factor, cualquiera que este sea, un triángulo amoroso, por ejemplo. El fallo es que el conflicto generado se resuelve sin mayor complicación que un “y vivieron felices para siempre”.

La unión de todos estos fragmentos que por separado resultan tener un mismo hilo conductor, nos habla de cómo se ha construido una cierta idea acerca de cuáles deben ser los valores universales que en una relación de pareja se deben encontrar, y refleja el uso excesivo que se les ha dado.

Estos valores que han sido sobreexplotados educan al colectivo, guiándolo a una forma idealizada de cómo se debe ser querido y como se debe de querer, acotando la posibilidad de lo que es el amor a una sola vía, la impuesta. 

Final Cut 2012

La película Final Cut se compone de extractos de otras obras, estas editadas de una manera que crean una narrativa. Realmente la selección de películas es muy variada, por lo que no se podría decir que la gran mayoría son americanas. Lo que sí crea esta película es una historia que es muy comúnmente adoptada por Hollywood: Un hombre, macho conoce a una mujer delicada y femenina, se enamoran, hay un villano, hay malentendidos, y todo termina en una catástrofe y solo se desea regresar en el tiempo y haber hecho las cosas de una manera distinta.

La obra muestra estereotipos de cómo son representadas las acciones humanas, las emociones y los roles de género, que pudiesen ser muy criticables en el sentido de que generalizan a todas estas y tienen repercusiones en el imaginario de la sociedad. Otra cosa que se podría debatir es la agenda del propio Hollywood al promover este tipo de películas, pero no es lo que quiero tratar aquí, hablar tan vilmente de ella, creo  despojaría a la obra de toda sensibilidad que pudo provocar. Al mismo tiempo creo que estas representaciones corresponden en cierta medida a deseos universales y a las condiciones en las que vivimos, que hacen que estemos deseosos de ver películas una y otra vez aunque la trama sea ya predecible. Más que ponerle una luz de negatividad a la obra, creo que es una gran oda al cine. Es cierto que aquí las películas que se toman son cortadas y recontextualizadas, dejando muy poco de su propia identidad, pero creo que aun de todas maneras hay ligeras diferencias en cómo trata cierta acción un cineasta americano a uno japonés. Lo que creo significante es encontrar ese terreno común donde personas de tan variadas procedencias puedan tener las mismas conexiones emocionales y preocupaciones. Al final de la película solo me queda un sentimiento de que al final todos vivimos bajo un mismo mundo y vamos creando una consciencia emocional colectiva.

Meiro Koizumi. My Voice Would Reach You. 2009

El video comienza por mostrar un hombre en un cruce de Tokio, rodeado de gente con prisa, él hombre en cuestión, comienza una llamada con alguien que no podemos escuchar sus respuestas, en base a la conversación que sostiene el hombre, nos damos cuenta que esta es una conversación típica que tendríamos con nuestra madre, donde se atienden cuestiones simples y banales. El video corta entonces a imágenes con voice en off donde un narrador, que se entiende es el mismo hombre en el celular, explica las veces que despreció a su madre y lo mucho que se arrepiente de no haberle agradecido nunca, se entiende entonces que su madre está muerta. El video corta otra vez más, ahora a la misma llamada que había efectuado el hombre anteriormente, pero ahora podemos escuchar al otro interlocutor: empleados de centros de atención de empresas que ignoran y se confunden con los mensajes afectuosos que enuncia el hombre.

La obra muestra una dicotomía entre la multitud y la solitud, el hombre rodeado de gente, se encuentra solo, sin nadie que lo escuche, sin que nadie le preste atención ni se preocupe por él.  La muerte de la madre, es en el hombre, un evento que le hace ver su vivencia de un modo distinto, sin embargo la realidad a su alrededor sigue igual, apática hacia él. Con un evento inesperado como la muerte, se reflexiona sobre las cosas que tomamos por sentado y creemos tener ahí siempre, cosas tan banales como hablar de la comida del día con la madre se vuelven tesoros apreciados en los recuerdos, y sentimos a la vez la culpa por las veces que no los apreciamos. El video así mismo demuestra la inexplicable que es la muerte para el ser humano, de pasar de un momento a otro a no existir. Más aún difícil es saber que nuestros padres algún día van a morir y no saber qué cosas se van a quedar por decir. Vivir el resto de la vida con la imposibilidad de establecer una conversación con alguien de nuevo.

Manufactured criticism

En el largometraje de Manufactured Landscapes que, bajo la lente de la directora Jennifer Baichwal, seguimos al fotógrafo Edward Burtynsky por diferentes espacios industrializados en China de los que toma fotografías.

El film pareciera ser un documental sobre Burtynsky, su obra y su proceso de trabajo,  aunque también podría considerarse una película de arte por sí misma, debido a su estilo particular, que al mismo tiempo se asemeja a lo producido por el fotógrafo.

Las fotografías de Burtynsky que se nos muestran son tomadas en largo formato, reminiscentes de la estética deadpan, siempre se distancian de su objetivo, como también pareciera suceder en la película, en la que como espectadores siempre estamos separados de lo retratado.

Puede que este sentimiento de extrañeza se deba al estilo de Burtynsky, que el documental adopta, o que sea por las mismas características de la industrialización que se aborda en la película, que convertirá a los obreros en máquinas enajenadas y  que implica severos daños a la salud y al medio ambiente, por los procesos con los que funciona, como es el casi artesanal reciclaje y recuperación de metales, y la industria minera.

Los dos puntos anteriores son sólo dos características de la industria de manufactura a nivel mundial, y son sus proporciones descomunales las que se dedican a develar tanto el documental como el fotógrafo al que retrata, sin embargo, desde el inicio del mismo, que recorre toda una nave de una planta de una fábrica de aparatos eléctricos, y que después muestra a los empleados de la misma alineándose en formación para que Burtynsky toma una foto, tenemos la sensación de que se nos está mostrando una situación de la que el documental es cómplice.

La película continúa y esto se sigue dando; y no podemos preguntarnos por el modo en que Baichwal pudo rodar en semejantes paisajes, si existieron permisos y acuerdos para ello, si se han dejado de lado escenas específicas, si sólo estamos viendo la parte de la industria que puede llegar a ser vista. Para terminar preguntándonos sobre la viabilidad de la misma propuesta de Burtynsky; ¿implica realmente una posición contra la industria que retrata? y si es así ¿qué tan fidedigna es?

Finalmente, surge una pregunta: ¿Se puede hacer crítica apoyándonos en el propio sistema?

 ¿En parte no lo hacemos todos?