Historia de seis ideas: Arte, belleza, creatividad, mímesis, experiencia estética. La forma: historia de un término y cinco conceptos

La lectura empieza diciéndonos que a lo largo de ésta se tratará de explicar y exponer las cinco maneras en las que se comprendo el término forma. Las concepciones de este término son las siguientes: forma A, en donde se entiende forma como la disposición de las partes; forma B, en el que se entiende como opuesta al contenido, es decir, como lo que se da directamente a los sentidos: forma C, en la que se comprende como el contorno, en oposición a lo material; forma D, en el que se comprende como los rasgos conceptuales de un objeto, en oposición a los rasgos accidentales de éste; y por último, forma E, en el que se comprende forma como la contribución de la mente a la percepción del objeto percibido, una concepción que viene dada por Kant.

Con respecto a la forma A, el autor nos habla de que esta forma se entiende como disposición de las partes que, en general, a través  de la historia del arte, se ha comprendido como la proporción que existe entre las diferentes partes y elementos que la conforman. Salvo algunos casos divergentes, en los cuales se refutaba esta manera de concebir la forma, dando como razón que si fuese así solo podrían ser aplicados a las cosas complejas y no a las simples,; sin embargo, el sentido de forma como la proporción y relación de número que existe entre las distintas partes de la obra ha sido el imperante en cuanto a la concepción de la forma A.

Con respecto a la forma B, se nos dice que a través de la historia, se ha entendido como aquello que esta dado a lo sentidos, en oposición a lo que sería el contenido. Sobre todo, en el arte poético se ha encontrado esta dicotomía; siendo la belleza de la expresión y musicalidad de la palabra aquello a lo que se refiere como forma en este arte. Si bien así se ha entendido, en general, la forma, el problema de su importancia con respecto al contenido a cambiado notablemente. En la Grecia antigua, los sofistas le daban un grado preeminente con respecto al contenido; aunque Platón y los que lo seguían todo lo contrario. En la Edad Media, se dividió en dos acepciones el concepto de forma y de contenido. En el Renacimiento algunos pusieron como preeminente a la forma y otros al contenido. Mientras que en el siglo XX, en su mayoría, se le dio más peso e importancia a la forma con los movimientos de vanguardia.

En la forma C se entiende a la forma como el contorno de los objetos, como en las figuras geométricas. Este forma se aplica principalmente a las artes visuales, es decir, arquitectura, pintura y escultura. La concepción de esta forma, a diferencia de las dos anteriores, se dio a partir del siglo XV. La manera como se comprendió esta forma era como dibujo, en oposición a la de color. Hasta el siglo XVIII,  el dibujo ocupo un lugar preeminente con respecto al color. Al final de este apartado, se nos dice que en la Antigüedad impero la concepción de forma como la forma A; en el Renacimiento, la forma C, y en el siglo XX, la forma B.

La concepción de la forma D vino de Aristóteles, quien la comprendía como la configuración y esencia de cierta cosa. En la Edad Media se comprendió como esplendor, es decir, como , la forma substancial que se revelaba en la materia.  A diferencia de las concepciones anteriores de forma, la utilización de esta forma se remitió solamente a la Antigüedad y a la Edad Media; aunque con artistas como Piet Mondrian y Ben Nicholson se podría vislumbrar que se entiende forma de esta manera, solamente que se ha enunciado con distintas palabras. Cierra el apartado diciendo que la concepción de Idea de Platón se podría acercar a la manera en la que se comprende esta forma D, salvo que Idea nunca se utilizó prácticamente en el terreno de la estética.

Como última forma, está la forma E, que surgió con la filosofía kantiana , si bien se pueden encontrar como probables precursores las ideas platónicas y también en el Renacimiento, a Nicolás de Cusa; y se entendía como una propiedad de la mente que nos hace percibir las cosas de cierta manera. Estas formas, que son a priori, son el espacio y el tiempo, la causalidad y la sustancia. Kant nos desarrolló formas a priori para la estética, sin embargo, otro filosofo, Fiedler, dijo que la visión se podía considerar como forma a priori de la experiencia estética. Mas adelante, Hidelbrand, desarrolló a mayor profundidad esta concepción, y dijo que la visión se dividía en cercanía y lejanía; para apreciar de manera satisfactoria una obra de arte, debe de existir cierta lejanía que permita apreciar la obra en su conjunto y en su unidad. Sin embargo, al llegar al siglo XX, esta concepción de forma no se consideró absoluta, y se pensó que, más bien, estaba sujeta al cambio de época y tiempo.

Después, nos habla de otras tres concepciones de forma: la forma G, que se entiende como ciertos instrumentos y aparatos que sirven para moldear la obra de arte como en la arquitectura; la forma H, que se entiende como ciertos patrones preestablecidos que el artista debe seguir para realizar su obra, como en la música, la forma sonata o fuga, o en la poesía, la forma soneto; la forma H, que se refiere a  los diferentes tipos o variedades de un mismo arte; y  la forma I, que se comprende como el componente espiritual que moldea la obra.

Concluye la lectura enunciando dos nuevas acepciones de forma: la primera en la que se entiende forma como convención, es decir entender la forma como cierta figura creada conscientemente, que no proviene de la naturaleza sino que es creada intencionalmente por el artista. Y la última forma, que es la L, que se entiende como ley o regla. Es decir, como cierta pauta a seguir en el momento de crear algo, y que sería contraria a lo que se entiende como libertad creativa.