miércoles, 22 de marzo de 2017

Memoria Devastada

Esta exposición, inaugurada el 8 de marzo en la Celda Contemporánea del Claustro de Sor Juana,  presenta el trabajo de las artistas Cecilia Hurtado y Miriam Salado. Mientras Hurtado se sitúa en la línea fotográfica, Salado se enfoca en la recuperación de objetos. Aunque sus trabajos son en gran parte diferentes, funcionan en conjunto para crear nuevas narrativas.
En este trabajo me enfocaré en dos trabajos de las artistas dentro de la exposición que resultan en conjunto edificantes para la exposición. Hurtado presenta una serie de dípticos donde mezcla fotos encontradas de un archivo policíaco y fotos tomadas por ella. La fotos encontradas muestran cadáveres muertos y escenas de crímenes, escenas congeladas de habitaciones cotidianas donde no hay más vida y que de un paso al otro, de la vida a la muerte, toman un tono siniestro. Esto a lado de imágenes de la artista de pequeños detalles como azulejos y marcos de una venta, apreciados solamente por un ojo vivo, quedarán en el olvido.  
Salado por su parte presenta pedazos de un tronco de madera y a su alrededor artesanías hechas del mismo material. Las artesanías se ven algunas inacabadas y con pequeñas deformidades respecto a la figura que se intentaba mimetizar, por lo tanto se entiende que los objetos ahora son inservibles para el consumo por lo que son rápidamente descartados.

En general la exposición muestra el carácter del olvido, él como cosas que en un principio tenían un valor, se vuelven inútiles cuando ya no hay alguien que las usa, sin pensar ni por un momento en la masacre que se comete, en las cosas olvidadas.

martes, 21 de marzo de 2017

Crítica “Memoria Devastada” de Cecilia Hurtado & Miriam Salado

Crítica “Memoria Devastada” de Cecilia Hurtado & Miriam Salado

La exposición “Memoria Devastada”, inaugurada el miércoles 8 de marzo del 2017 en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, en la Ciudad de México, presenta piezas de las artistas Cecilia Hurtado y Miriam Salado. La exposición de Hurtado, consta de una obra-video, una reinterpretación fotográfica de un documento histórico psiquiátrico creado en 1935 por el húngaro Léopold Szondi y una serie de fotografías. La aportación de Miriam Salado a “Memoria Devastada” fueron una serie de dibujos, casi ilustraciones científicas; y dos instalaciones escultóricas.

Para efectos de la crítica, profundizaré en la serie de fotografías de Hurtado y una instalación escultórica de Salado.  
La serie de Cecilia Hurtado, tiene el formato de díptico. Fotografías tomadas por ella, están relacionadas con otras provenientes de un archivo policiaco de la Caroline Simpson Library & Research Collection, de los Museos Vivientes de Sidney. Las imágenes provenientes del archivo policiaco, son fotografías de escenas del crimen, en la mayoría se muestra el cadáver de la víctima; y en las tomadas por la artista, se nos presenta el espacio en el que esos hechos tuvieron lugar.
En esta serie, me parece interesante la relación de temporalidades y las correspondencias entre acontecimiento-espacio; Hurtado crea una abertura en el tiempo discursivo para hacer evidente lo efímero de la vida. En ese sentido, me parece que el soporte fotográfico funciona bien, puesto que se habla de lo efímero, de lo que ya no existe, pero, a través de un medio que permite la preservación, el testimonio como memoria.

En la instalación escultórica de Miriam Salado, podemos ver en medio de la sala un pedazo de tronco del árbol palo fierro, a su alrededor están dispuestas artesanías, pequeños animales de madera que fueron hechos a partir de ese árbol. Al mirar con atención las pequeñas piezas, podemos notar que se tratan de piezas fallidas o con defectos, dando como resultado su abandono.

Salado cuestiona y critica la explotación de las especies y de los recursos naturales. No sólo se trata de los animales extintos que tristemente nos contentamos con ver representados en un tronco de madera; se trata de la explotación indiscriminada; del abandono de piezas, cuya materia prima es un árbol que también está en vías de desaparecer; se trata del abandono y el desperdicio de recursos, como si estos fueran eternos. Se trata de reflexionar, ser conscientes de que todos vivimos y venimos de la tierra, de una materia prima, con la cuál tenemos que subsanar el viciado y destructivo vínculo. 

Memoria devastada

Memoria devastada

Cecilia Hurtado y Miriam Salado unen su obra en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de sor Juana, reunidas en una serie de relatos que hablan del rastro que deja la humanidad como memoria que se desgasta y desgasta su entorno.
Empezando con la propuesta de Cecilia Hurtado quien utiliza fotografía como medio principal en su obra, al entrar nos encontramos con la proyección de un video en el que se muestran una serie de fotografías de la victoria alada (mejor conocida como el ángel de la independencia), cuando se cayó a causa de un terremoto en 1957, el siniestro ocasionó que se cambiara la figura original y de ese suceso recupera las fotos que en el video se queman.
Siguiendo el recorrido nos encontramos con una serie de fotos que se organizan en pares, unas son tomadas por la propia artista, las otras tomadas de un archivo forense. Las parejas de fotos se encuentran una a lado de la otra y generan una suerte de narrativa que no está explicada, pero que apela a la relación que el espectador establezca.
En la pared de enfrente se encuentran fotos utilizadas para hacer estudios sobre el estado mental de las personas intervenidas para que se vea en una suerte de marca de agua la imagen de unos cráneos. La sala finaliza con los restos que deja el video del principio, al tiempo que suena una pieza musical que acompaña toda la sala y que hace imposible no relacionar la totalidad de las piezas.
La segunda sala, destinada a la obra de Miriam Salado, aprovecha más el espacio y lo utiliza para colocar dos obras de carácter escultórico y otras tres en las paredes, todas con el común denominador del contacto con la naturaleza, un contacto agresivo que deja secuelas en el medio ambiente.

En general la exposición muestra una serie de obras que exigen del espectador un ejercicio de observación e imaginación que lo haga participe de la obra, y que recurren al bagaje y las experiencias previas en el primer caso a las que tienen que ver con el entorno social, en el segundo caso con el uso e invasión del entorno natural.

jueves, 16 de marzo de 2017

Them

El artista polaco Arthur presenta su obra Them  en formato de video, su trabajo pretende mostrar las problemáticas sociales que vive su país debido al conflicto entre ideales que cada grupo social persigue. Claro que él se centra en los problemas que percibe propios de su país pero esto podría ser aplicable universalmente. Para la realización de la obra, el artista ha invitado a grupos diversos que conforman la sociedad polaca, desde gente de izquierda, religiosos, adultos mayores y jóvenes, todos con una idea distinta de los valores morales que la sociedad ha de perseguir. A los invitados a participar se les ha colocado en un cuarto de amplias dimensiones y se les ha pedido que plasmen visualmente una imagen que sirva como símbolo al ideal por el cual cada uno apuesta. Como sujetos que habitan un mismo espacio, eventualmente entran en contacto con otro grupo con ideales distintos a los propios y se ven obligados en un principio a dialogar pacíficamente con el propósito de conocer cómo es que opera el imaginario del otro. El intercambio de ideas y postulados comienza con un carácter casi diplomático, siempre con respeto y escuchando lo que entre grupos se tienen que decir, esto rápidamente evoluciona a una práctica hostil hasta alcanzar el grado de violencia entre individuos por la incapacidad que tienen, entre estos pequeñísimos grupos, de establecer terreno de semejanza entre sus ideologías, que en conjunto conduzcan a la mejor versión de sociedad que para su país desean. La obra muestra el eterno conflicto entre ideologías y su incapacidad de dialogar entre ellas, y en todo el caso es dialogo siempre termina por enemistarlas y es entonces cuando suceden las guerras, pues es la violencia es el único medio que ven como transitable para establecer la estructura de sociedad que más les interese.  La obra es el claro ejemplo de cómo opera una sociedad conformada por distintos ideales y que los conflictos que esta desarrolla no solo son visibles a nivel macro, sino que también a lo micro no se logra establecer tolerancia con el otro y desde esta base es de donde se habría que partir, en el mutuo respeto.

She Gone Rogue

La obra del artista transgénero Zackary Drucker es presentada en formato de video, en cual se narra la historia de una mujer transgénero que él mismo encarna. Este personaje se ve rodeado de personas de su mismo tipo, a los que el artista presenta como comúnmente se guarda la imagen en el imaginario colectivo, es decir, muestra el “prototipo” de lo que una persona trangénero debe ser según la mirada del otro. Según me parece el artista hace este tratamiento de sus personajes para que al espectador le resulte evidente el rol a los que estos representan y no porque comparta esta percepción, pues alrededor de esta comunidad se ha creado una especie de sombra que determina su modo de comportamiento en la sociedad, la vuelve homogénea y se espera que actúen y vistan de determinada manera cuando esto no es un regla. Eventualmente, conforma avanza la narración del día del personaje principal, ella regresa a casa y nota que en una de las paredes hay un hueco, puede ver a través de él y mira un bosque en el que se encuentra ella misma. Nuestra protagonista se introduce en la grieta y persigue a esa otra mujer del bosque que a su vez es ella misma, esta “otra mujer” es el ideal que ella misma persigue de acuerdo a como espera que sea su vida dentro de una sociedad que la constriñe a ser con vergüenza. En aquel ideal que en principio le parece utópico le parece ver la verdad que ella tanto persigue, sólo la comodidad de ser sin tapujos. Se ve liberada de todo aquello que la modela. De pronto aparece en un desierto solitario y una voz le susurra que ahora sólo va a ser ella, es ahí cuando reconocemos que el personaje se ha liberado, ha trascendido todo aquello que le impedía mostrarse con comodidad tal como es, pero lo más importante es que se ha trascendido a ella misma y por fin acepta lo que es. 

miércoles, 15 de marzo de 2017

Artur Zmijeuski "Them"

"Them" es una obra que fue realizada por el artista  Artur Zmijeuski, en sus trabajos muestra interes sobre problemáticas sociales relacionadas con la organización de ideologías en la sociedad. La obra consta de un video en la cual se muestra a un grupo de personas creando carteles sobre la comunidad ideológica a la cual perteneces, después a lo largo de las distintas sesiones, los individuos de los grupos pueden intervenir los carteles de los grupos contrarios, lo anterior da como consecuencia que se generen conflictos entre ellos, los grupos forman parte asocioaciones de activismo social y a lo largo del video es interesante ver los contrastes entre las ideologías. 

Desde mi punto de vista, la obra muestra la forma como se generan las ideologías y la toma de posición acerca de la estructura de la sociedad, aunque también plantea la manera como se cierran los discursos ideológicos, lo cual da como consecuencia problemáticas entre grupos radicales que no permiten abrir los discursos y tener visiones que traten sobre las conexiones de los humanos, lo cual hace que se realicen grupos cerrados que pretenden establecer leyes bajo las cuales todos deberían regirse. La creación de símbolos y la toma de posición en la sociedad es un tema que se ha analizado por disintos teóricos, Noam Chomsky en sus teorías sobre las estructuras de poder, analiza la forma como se generan los sectores ideológicos en la sociedad, cuando se establece un sistema cerrado, se impone un grupo de ideas específicas y si no las llegas a cumplir, no formas parte de discho sistema.

La obra permite tener contacto con la idea de generación de simbolos en la sociedad y como estos tiene un papel importante en su desarrollo, tanto su creación como la intevención de los mismos, ya que estos reflejan la ideantidad de las ideologías a través de la imagen, lo cual también habla sobre la construcción de las imagenes y como estas tiene un cargaideológica que los genera y los muestra a la sociedad.

martes, 14 de marzo de 2017

Zackary Drucker and Rhys Ernst “She Gone Rogue”.

En la obra se muestra una mujer transgénero en búsqueda de su identidad. La obra no muestra una narrativa clara, en general el tiempo, con música de fondo tranquilizante parece una ensoñación o tal vez una pesadilla. En la primera toma se ve al personaje principal cuando va a visitar a una anciana transgénero que parece ser su amiga, a la que le hace de comer y platica con ella, el imaginario estereotípico travesti se hace muy presente en la ropa y mobiliario de la anciana: lentejuelas, telas brillantes, pelucas y maquillaje exagerado. Cuando la mujer regresa a su casa, ve en la pared una grieta con un pequeño hoyo, al que se acerca y va quitando pequeñas partes, cuándo se asoma, entra a un bosque donde ve a una persona igual a ella, a la cual persigue mientras le susurra “eres yo en una dirección, soy tú en otra”. Pronto llega a una casa con una pareja que parecen ser sus padres, que la acogen con cariño y cenan todos juntos, otras escenas aparece la mujer con un hombre con el cual habla felizmente y le muestra fotos de su infancia como niño, se puede decir que esta es la vida ideal que se imagina nuestro personaje principal, una vida cotidiana de una mujer aceptada en la sociedad.  En otro momento, la mujer va con un adivino que le dice las respuestas que ella quiere escuchar, le dice que tendrá el novio de sus sueños y que tiene que ser paciente, también cuando ya se va le da una vagina dentanta. La cual después lleva a un especie de chamán, que al ponerla junto con una dentadura burbujeante, hace temblar todos los alrededores repitiendo la frase “She gone rogue” lo que se traduce a que se ha vuelto solitaria, fuera de la manada, el chamán pronto la regresa al closet. De pronto la mujer despierta en un solitario desierto, donde se escucha una voz baja que dice solo estas tú, “solamente vas a ser tú”, da unos pasos, hasta que encuentra una andadera revestida de diamantes, la andadera es ahora su sustento, los diamante con su dureza, son la capa externa de fortaleza que necesita. La grieta ya no está más en la pared. La mujer se ha aceptado tal como es.

Crítica de la película “Final Cut”


Crítica de la película “Final Cut”

Cuando hablamos de películas que han tenido un gran impacto en la sociedad, Hollywood es en el primer lugar donde se centra la mirada, ¿Quién diría que un pequeño estado de Norteamérica, fuera la cuna de la cinematografía popular? Lo cierto es que siempre estamos al pendiente con la cartelera de los cines, en ellas encontramos las fechas en que se estrenan nuestro mayor entretenimiento. Un sin fin de géneros se presentan día a día, desde películas animadas hasta pornográficas, claro que todo depende del público a quien vaya dirigida y quien desee verlas.

Es curioso que las imágenes presentadas en una pantalla grande se conviertan en una forma de vida, aunque eso no nos debe extrañar, ya que sean utilizado las representaciones visuales desde que el hombre vivía en las cuevas.

Aunque su utilidad sea un poco diferente, por ejemplo, anteriormente se ocupaban para educar o trasmitir una idea, este fue su trabajo durante muchos años. Sin embargo ¿la imagen solo puede tener estos dos aspectos dentro de ella? No, esa sería mi respuesta. Cuenta con una amplia fila de características que la van formando, además de tener múltiples significas al igual que sus representaciones, que se nos han presentado una y otra vez. Se repiten estas imágenes en todas las películas, aunque no lo parezca esta insertadas en nuestro cerebro y con solo ver un fragmento de ella podemos interpretar el significado de esta. Incluso podríamos construir una historia con ellas y este es el caso de esta película llamada Final Cut, que fue creada a partir de escenas de diversas películas (de todo tipo de géneros y diversas épocas).

Lo importante de esta cinematografía, no son los nombres de los personajes, ni su apariencia y mucho menos su escenografía, es más bien la representación de los conceptos de estos mismos los que importa y el desarrollo de la historia que van formando. En un principio puede parecerte extraño verla y saber que nada de lo que te muestran es algo concreto, pero sin darnos cuenta entramos a este juego y llevamos a cabo una experiencia de unión con la película.

No cabe duda que el cine puede crearse a partir de diverso factores, los cuales atrapan al público y lo adentran en este mundo que pareciera totalmente real, pero que a la vez sabemos que es totalmente falso, estas diversas didácticas (recursos) que contiene las películas son las que nos hacen no soltarlas.

lunes, 13 de marzo de 2017

Crítica “Fake Paradise” de Melanie Bonajo

Crítica “Fake Paradise” de Melanie Bonajo

La película documental “Fake Paradise” realizada por la artista holandesa Melanie Bonajo, pertenece a la trilogía “Night Soil”; en este proyecto, Bonajo examina el efecto alucinógeno de algunas drogas, incluyendo algunas naturales como la ayahuasca. También explora y cuestiona algunos conceptos como la sexualidad, lo femenino y la naturaleza, así como el vínculo perdido entre ésta, la espiritualidad y el rito. Otro punto importante de “Fake Paradise” es el enfoque o el lugar que se le otorga a la tecnología, ¿cómo están funcionado las nuevas herramientas en este intento de volver al origen?

A lo largo del documental se observa a los participantes, mujeres y hombres que tratan de restaurar el vínculo tan profanado y transgredido con la naturaleza y la espiritualidad, realizan “ritos” y consumen drogas con la intención de traspasar el plano material en el que se encuentran; pero de manera personal, creo que sólo evidencian lo contrario. Creo que la esencia del ritual la perdieron de vista, la necesidad de comunicarse y vincularse con algo superior o cosmogónico fue sustituida por la moda del ser ecologista y del consumo de estupefacientes, con la intención de presentarse ante las redes sociales- con la ayuda de la tecnología- como seres “únicos y diferentes”.
En este sentido, el nombre del proyecto me parece muy acertado, porque es justamente un paraíso falso, un estado falso de consciencia que no conduce a ningún lado, es ocioso, una conexión con la espiritualidad totalmente posada y artificial; únicamente reflejando con mayor veracidad el mundo material y superficial en el que nos encontramos inmersos. El proyecto presenta la espiritualidad y el vínculo especial e introspectivo, como algo que se puede adquirir como cualquier producto, y no sólo eso, sino que pareciera que el proceso no está completo hasta que personas ajenas a éste y al individuo mismo, lo acreditan en una plataforma tan artificial como son las redes sociales.

Y aun si se pensara que sí se logró un regreso al origen o se estableció un vínculo, no se mostró a los participantes compartiendo su experiencia o el mensaje con otros, lo más que llegaron a “compartir”, fueron fotografías en redes sociales. De nuevo, un medio totalmente banal que nada tiene que ver con conexión cosmogónicas, espirituales o rituales; es un medio que en automático banaliza y trivializa lo compartido ahí, y más que compartir es hacer alarde o jactarse de actividades totalmente individuales y sin ninguna trascendencia. Me parece importante mencionarlo, ya el objetivo de procesos que buscan vínculos y conexiones, es justamente un religare, es un volver a unir, tiene que ver con comunidad, con unidad y con la destrucción de pensamientos individualistas para poder acceder a aquello que nos es común a todos, para Ser de nuevo todos y nadie.


sábado, 11 de marzo de 2017

Crítica “Them” de Artur Zmijewski

Crítica “Them” de Artur Zmijewski
 
La película “Them” fue realizada en 2007 por el artista polaco Artur Zmijewski, conocido por crear situaciones que cuestionan las creencias y opiniones, tanto de los participantes como de los espectadores, haciendo evidente la fragilidad de nuestros códigos morales y simbólicos.

En el proyecto “Them”, Zmijewski documenta una actividad que realizó con la participación de representantes de cuatro grupos sociales ideológicamente opuestos en Polonia. A cada grupo, les solicitó crear un póster que representara de manera simbólica sus valores y creencias. Posteriormente, el artista les otorgó camisetas impresas con la imagen que habían creado, éstas cumplían la función de unir a los integrantes del mismo equipo, pero imposibilitaban la comunicación o la unidad con los grupos contrarios. Funcionando así, como un slogan o estandarte de las ideologías particulares cada grupo. A continuación, el artista invitó a los equipos a cambiar, destruir, agregar o quitar elementos de los posters de los otros participantes. Al inicio, los cambios y modificaciones que realizaban eran tímidos y sutiles, pero poco a poco, las hostilidades y tensiones entre los grupos comenzaron a hacerse evidentes a través de los símbolos; culminando la actividad en un incendio y en la destrucción total de los símbolos.   

Me parece que en el trabajo de Artur Zmijewski se hace evidente el hecho de que asumir una posición de manera tan radical, sin dar cabida a otras ideas o pensamientos y sin la práctica de la tolerancia y el diálogo, la sociedad está destinada al fracaso y la destrucción. En ese sentido, también me parece difícil concebir, que aún dentro del mismo grupo, los integrantes posean los mismos pensamientos, ideas y sistemas de creencias; por lo tanto, resulta inevitable el surgimiento de conflictos y diferencias que serán confrontadas, y lograr un acuerdo común, sobre todo en grupos de oposición, podría parecer casi imposible.
El hecho es que cada persona es un mundo y en ocasiones, las diferencias serán diametralmente opuestas, sin embargo, también sería ridículo pretender la homogeneidad en las ideologías y creencias; pero más allá de ser conscientes de las diferencias y enfocarnos en lograr un acuerdo común, me parece que la importancia radica en cómo se va a dialogar entre las partes, cómo se dará el proceso de mediación y qué surgirá con la aportación de esos mundos tan diferentes.  

Otro punto importante es cómo se presenta la imagen como reflejo de una sociedad. En el proyecto “Them” lo que se puede advertir es la lucha ciega y obstinada de símbolos sin posibilidad de dialogo; lo que creo es importante rescatar de esto es que no hay símbolos puros, de la misma manera que no hay razas puras superiores, todo y todos estamos construidos con base en diferencias, porque somos productos de historias diferentes, contextos distintos y factores en general que van a determinar nuestra conformación como individuos. Y creo que más allá de defender un símbolo que respalde lo que soy, lo que pienso e imponerlo, el verdadero reto es crear símbolos con los que todos podamos sentirnos identificados; en lugar de crear una “democracia” de confrontación, lucha e imposición, empezar a pensar en crear una democracia de diferencias en la que todos podamos aportar, construir, crear símbolos que sean el estandarte de todos y al mismo tiempo que exista la posibilidad de apertura, dialogo y respeto para que estos símbolos puedan contener matices.





jueves, 9 de marzo de 2017

Them – Arthur Zmijewski

En este video se muestra cuatro grupos de personas polacas que están afiliados ha distintas ideologías políticas, tanto de izquierda como derecha, y se les reúne en un piso para que con pintura y otros materiales expresen sus creencias políticas. Una vez que este proceso terminara, se les daba la instrucción de que modificasen según su propio criterio los carteles hechos por los otros grupos, cosa que no debían impedir, sin embargo, después de que acabaran de modificar el cartel, sí tenían el derecho de recomponerlo y modificarlo.

Durante esta dinámica se pudo observar cómo el antagonismo entre la distintas ideologías causó que el grado de alteración y modificación que sufrían los distintos carteles y símbolos, pasase de ser una pequeña y, hasta cierto punto, respetuosa modificación, a una intolerancia y destrucción total del cartel y símbolos al que sentían mayor aversión determinado equipo.

A través de este ejercicio se lograron manifestar dinámicas que habitualmente suceden en la dinámica de la sociedad contemporánea. Pues, muy comúnmente sucede, que las facciones con ideas diferentes, lejos de entablar un dialogo constructivo buscando puntos de acuerdo entre los distintos posturas, se aferran a su postura de cómo debe ser la sociedad, y no están dispuestos, por ningún motivo, a mover un solo milímetro en aras de encontrar un posición conciliatoria que pudiese ayudar a toda la sociedad en su conjunto.


Otro punto importante que cabe destacar es el papel del artista en todo este video y dinámica, que a diferencia de lo que sucede en el arte más tradicional, realmente no ejecuta la acción el mismo, sino que, solamente es el creador de la idea de la dinámica y el gestor y administrador de dicha idea, y los participantes son realmente los que realizan dicha idea y obra de arte ,simplemente actuando como las personas que son, sin interpretar ningún papel que salga de  su cotidianidad.

domingo, 5 de marzo de 2017

Them – Arthur Zmijewski

La obra comienza cuando se invita a grupos de personas de distintas agrupaciones con opiniones religiosas y políticas muy diferentes entre ellas. Se les pide a cada grupo por separado que realicen un cartel que ejemplifique la visión del pensamiento de su agrupación. Posteriormente reúnen a todos los grupos y les dan direcciones de poder hacer lo que quieran con los carteles de los otros si no concuerdan con sus ideas. Al principio comienzan por hacer sutiles modificaciones, como cortar cosas y escribir cosas inofensivas. Lo que pronto escalan a ser insultos y a acciones violentas contra el otro sin tomar en cuenta ningún segundo sus opiniones. Ya al final no era ni siquiera una lucha entre ideologías, ya solamente era una pelea imparable que había escalado a niveles violentos que culmina cuando se prende fuego a un cartel y todos tienen que ser evacuados del edificio.

La obra demuestra cómo en la violencia no se puede tener ninguna discusión, cuando uno ya se muestra a la defensiva porque se cree que se ataca el argumento propio, nunca se puede realmente escuchar al otro. A la vez también demuestra como actos de violencia, como el mostrado en la obra tanto en la realidad, ya no están siquiera fundamentados en una oposición certera de argumentos, realmente lo único que hace que continué la pelea es el momentum generado de estar en ella y rendirse o hacer las paces es una muestra de debilidad que ninguna de las partes quiere demostrar. Termina siendo una guerra de actos impulsivos en un afán de demostrar quién tiene el poder,  pero el poder realmente sería poder recapacitar y ver qué se está logrando por medio de esos actos. Al final es destrucción para todas las partes.

Melanie Bonajo - Night Soil: Fake Paradise

La obra Fake Paradise, junto con Economy of Love y Nocturnal Gardening son parte de la trilogía de cortos realizados por Melanie Bonajo titulada Night Soil. En ella una voice en off comienza por narrar la historia de una mujer y su primera experiencia en ayahuasca mientras el video enseña a una mujer en una alberca sosteniendo una fotografía de una playa. El video muestra después una sesión de fotos con mujeres vestidas con elementos que recuerdan a la naturaleza, a la vez que se toman fotos y hablan banalidades. La obra progresa a ser cada vez más bizarra mostrando series de imágenes con narraciones de fondo: una planta en una maceta sobre una mujer desnuda toma propia voz, en otra una mujer es rodeada en una cama por plantas, y en otra un hombre vestido de sirena toma un baño en la tina.

Creo que la obra refleja la banalidad del mundo en el que vivimos, donde el capitalismo se ha adueñado de todo, la espiritualidad se ha vuelto un producto más que comprar. Se ponen de moda ciertas drogas y ciertas prácticas porque alguna celebridad las ha utilizado y ha dicho públicamente los beneficios que le ha traido. Se le adjudican ciertos simbolismos a objetos cotidianos, se trata en fin de justificar ante la sociedad cómo los objetos que consumimos tienen un significado más allá del común, queriendo demostrar que no estamos vacíos, pero justamente cuando se hace eso es cuando más se evidencia lo pobres de alma que estamos. Sin embargo, al final del día se puede decir que está es nuestra nueva religión, el consumir, y buscar en los consumibles una justificación que nos haga sentir mejor. Ya no solamente te venden un producto, te venden un bienestar moral y una paz “espiritual”, nuestras nuevas indulgencias que son un pase directo al cielo.

Crítica de Hudson Valley Ruins por Jacky Connolly



Hudson Valley Ruins es un video realizado en el año 2016 por el artista Jack Connolly, el cual  está construido gracias al juego Sims 3, del año 2004.

En el video se presenta la vida de diversas personas que se encuentran en los suburbios de Hudson Valley. Podemos ver una cantidad variada de personajes completamente diferentes tanto en la forma de actuar, como su físico y la ropa que portan. Así mismo, el espacio y el tiempo presentado en el video cambia constantemente de acuerdo a los personajes que nos está presentado. En algunas ocasiones podemos ver espacios objetivos en los cuales los personajes tienden a “relacionarse” de manera poco común y sin comunicación formal, sino con movimiento de manos y gestos. Por otro lado, tenemos el tiempo y espacio subjetivo en el cual se nos presentan sueños y fantasías de algunos personajes que caen en lo ridículo, fantástico y  bizarro.

El título del video funciona como pista para poder entender un poco más profundo la dirección que al artista quiere tomar en el video. Hudson Valley, al ser un suburbio de Estados Unidos, podríamos relacionarlo como espacio donde hay familias, todo es pacífico y amoroso; al igual que el juego de Sims, nos proporciona la idea de una utopía donde es posible conectarse con las personas y convivir con ellas de forma perfecta, realizando fantasías y actos poco probables de alcanzar en la realidad. Es interesante que el artista coloque la palabra “ruins” dentro del título, haciendo referencia a la decadencia y desolación de las relaciones presentadas en el video.

Creo que Connolly al utilizar el formato Sims, rediseña todo un sistema con un objetivo de criticar la forma de visualizar nuestra propia realidad. Ataca la tecnología y la forma de cómo actualmente nos relacionamos mediante dispositivos sin conversaciones físicas algunas; cada quien inmerso en su propia fantasía individual. Utiliza como arma la propia imagen de prototipo e ideal para atacar y hacer énfasis a la vida decrépita en la cual nos vemos inmersos. 

Fake Paradise/ Melanie Bonajo



El presente texto tiene como como objetivo exponer una crítica sobre la obra Fake Paradise la cual forma parte trilogía Night Soil, como también Economy of Love y Nocturnal Gardening, la trilogía fue realizada por la artista Melanie Bonajo. La serie de documentales cortos fueron presentados en la Tate en septiembre del 2016. Fake Paradise tiene una duración de 12 minutos, a lo largo de la narración se muestran a distintos individuos compartiendo su experiencia en ejercicios espirituales y la naturaleza. 

En la página oficial de la artista, expone la intencionalidad principal de Fake Paradise, a partir de ésta expone la relación entre la civilización y la naturaleza que hay en nuestra época, lo anterior se refleja en la obra a partir del contraste que expresan los individuos en sus narraciones, se establece un acercamiento entre la naturaleza y la persona a partir de la tecnología, esto habla de cómo en las sociedades utilizamos nuestros instrumentos a partir de las necesidades que se nos presenta, no se debe crear una pelea constante con la tecnología, desde mi punto de vista se debe comprender el potencial que tiene para conectar con el entorno. La artista presenta las breves relatos de una variedad de grupo de jóvenes que buscan conectar con un mundo espiritual, las imágenes contienen una gran carga de hibridismo cultural ya que en estas es posible identificar elementos de distintas como plantas o personas tomándose fotografías disfrazadas con trajes realizados con elementos orgánicos.

Desde mi punto de vista lo más interesante en la obra y lo que realmente muestra la intencionalidad de la artista es  los contrastes que realiza en la construcción de las imágenes y las narraciones, ya que muestra las relaciones que se pueden crear con la naturaleza a partir de instrumentos creados por el hombre.