lunes, 20 de febrero de 2017

"Images of the World and the Inscription of War" - Harun Farocki

Crítica "Images of the World and the Inscription of War" - Harun Farocki

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/film/harun-farocki-images-world-and-inscription-war

La obra realizada en 1988 muestra diversas imágenes y registros relacionados con la Segunda Guerra Mundial. El artista reutiliza los registros, estas imágenes sirven para reflexionar y evidenciar la manipulación de las imágenes, la forma en la que creamos la imagen, desde el momento del encuadre, hasta el punto de captura y revelado de la misma. La gran manipulación que puede haber en esta y las distintas perspectivas que muestran al fin de cuenta una mirada subjetiva sobre el control de la misma imagen.
Las vistas aéreas de fotografías sobre lugares que posteriormente serian destruidos deja en posición de poder superior a quien tiene el manejo de las mismas, como si los lugares que son transformados y destruidos no tuvieran más importancia si se tiene un registro digital que al fin de cuentas puede ser modificado o alterado a conveniencia del autor, una constante lucha entre la creación de imágenes y destrucción de lugares.
La imagen fotográfica vinculada de forma cercana al discurso de los campos de concentración como una relación entre la constante vigilancia, un lente que esta al pendiente de los sucesos todo el tiempo y toma registro de ello.
El estudio de la mirada, una mirada selectiva que funciona como registro y como controlador, una mirada panóptica que transforma incluso antes de que las cosas sucedan en la realidad tangible, la capacidad de la fotografía de construir discursos narrativos lineales a conveniencia del poder manipulador que se encuentra detrás del lente que toma el registro. La fuerza que mueven las representaciones, la diferencia en tener información y cuando se reinterpreta la misma, acomodándola en un sistema intrínseco. Modificar el sistema de reconocimiento y representación más que un simple acto de absorción de información en la actualidad funciona como un proceso de transformación de la propia realidad, una realidad digital a la que no podemos escapar.

La obra es un fuerte llamado de atención para comprender la construcción de elementos y relaciones intencionales entre las imágenes inmediatas y verdaderas, y el discurso de poder y control, un campo externo a la misma que genera acción que puede desembocar en construcción o construcción de procesos reales.

"Reel/ Unreel"- Francis Alÿs

Crítica "Reel/ Unreel"- Francis Alÿs


El video creado por el mismo artista en Afganistán muestra como dos niños se encuentran jugando con dos rollos de cine, uno rojo y azul, cada uno con un rollo respectivamente, mientras un rollo (el rojo) avanza y deja por detrás la cinta cinematográfica  por otra parte el  otro (el azul) va recogiendo y enrollando de nuevo en  la película que se había quedado detrás  intentando alcanzar al primero.
Los niños cruzan fragmentos de la ciudad, pareciera que ellos se encuentran mucho más interesados en la actividad, un juego, que en encontrar un camino seguro por el cual transitar, el artista hace uso del espacio para evidenciar el ambiente, producto de los conflictos violentos, casas semiconstruídas, un escenario de escombros que no pareciera importar cuando de competencia se trata, los niños no dudan del camino.
El acto de repetición pareciera ser constante en algunos trabajos artísticos, pero es la manera en la que es empleado dicho acto lo que llena de significado la obra artística; en este caso mientras los niños se encuentran entre una lucha de constantes, los adultos pasivos simplemente observan el transcurso de la competencia, uno atrás y otro adelante, uno rojo y el otro azul, uno enrollando y el otro desenrollando, constituyen un ejercicio casi catártico, enfrentándose a obstáculos como ovejas en medio de la calle, a una sociedad desnuda y rota que lleva a cabo sus actividades cotidianas.

El título nos puede llevar a pensar en dos tipos de realidades, las palabras “reel/ unreel” más que la acción de enrollar un carrete y desenrollar por la fonética nos llevan  a pensar en las palabras “real/unreal” un tipo de visión en la vida cotidiana de forma verdadera y otra irreal.

Uno de ellos tira por un barranco uno de los rollos con lo cual rompe y pone fin al juego, como producto final quedan fragmentos en el rollo que recogía, la cinta hace evidente lo descompuesto, roto y lleno de ralladuras en las imágenes reveladas en la cinta cinematográfica. Los niños que se reúnen al final  para observar el producto del juego no notan las ralladuras sino el contenido, es una imagen de su propia realidad, podríamos interpretarlo como si ellos no se enfocaran en la situación superficial del conflicto en el que su país se encuentra sino lo que realmente importa es conocer el problema desde el núcleo principal.

"My Voice Would Reach You" - Meiro Koizumi

Crítica "My Voice Would Reach You" -  Meiro Koizumi

https://www.ngv.vic.gov.au/my-voice-would-reach-you/


El acto simbólico de la repetición, el artista con su obra lleva al espectador a un terreno de comodidad e incertidumbre. Comienza planteando un proceso abierto, donde como espectadores podemos ser capaces de aplicar la imaginación como un campo expandido donde las posibilidades pueden ser infinitas; infinitas como las respuestas imaginadas, respuestas repetidas al momento en el que el artista reitera e insiste. Después, ruido.
El plano donde se sitúa es una ciudad escandalosa, llena de gente, de conversaciones, luces y movimiento. Pareciera que acto repetitivo de la llamada telefónica es con el afán de hacer resaltar su conversación entre las demás, la carga que efectúa al pronunciar y repetir la conversación llena las palabras de significado. Comprendemos el verdadero fin de la conversación al comprender la historia en la carta, el video de un momento a otro nos lleva de lo aturdido de la ciudad, llena de movimiento y luces, a un nuevo ámbito donde es silencioso y solamente la imagen se enfoca en una fotografía, el autor lee una carta, la misma nos ayuda a comprender el sentido de la conversación anterior, repentinamente todo se torna silencioso y ausente.
Un ejercicio de eliminar la lejanía, invitando a los extraños que compartían la conversación a imaginar e incluso entrar dentro del juego. Terminar con el campo de distancia entre las relaciones de individuos que se tratan con extrañeza aunque compartan el mismo aire. La capacidad de interpretación de los espectadores que en primer plano comprendíamos la conversación como parte de la cotidianeidad, una conversación más por teléfono de algún hijo y su madre, nada extraño; pero cuando comprendemos el contexto de la carta y escuchamos la segunda voz que no es la de su madre sino de algún desconocido, nuestra interpretación cambia, algo se mueve y la información del mensaje repetitivo cobra sentido.

 El juego como un campo que no nos permitimos experimentar más por la seriedad de la vida, actitudes adultas y responsabilidades. El artista juega, experimenta y comparte experiencias que desarrolla y deja en su obra, un registro que funciona como ejercicio introspectivo para continuar con un análisis de la propia situación a la que se enfrenta, creación de atmósferas y situaciones diferentes dentro del campo de juego abierto en expectativa de alguien a quien las palabras lleguen. 

“Film” - Samuel Beckett

Crítica “Film” Samuel Beckett

https://www.youtube.com/watch?v=o6dOchM6MWk

El video comienza mostrando la mirada, como si el propio espectador fuera quien guía y aterroriza a los demás personajes que se encuentra en su camino hasta el punto donde presenta al actor principal, aquél sujeto por quien todos temían, un personaje sin un ojo que comienza a adaptarse al espacio de la habitación, sin caminar hacia atrás siempre hacia delante, como si el mirar hacia atrás (hacia la cámara) le afectara de alguna forma, realizando acciones simultáneas, siempre repetitivo y nervioso; revisando su pulso constantemente se mece en una silla y poco a poco va perdiendo la paciencia, no soporta las miradas, destruye todo aquello que tenga ojos aferrados a su imagen, destruye fotografías que parecen ser de su pasado y algunos pósters a su alrededor, aterrado a la mirada ajena fatalista que juzga y desaprueba.
Podemos reflexionar en este video sobre la incapacidad de esconderse, el cuerpo siempre expuesto a una descripción e interpretación del otro, la otredad, aquel campo donde quien porta el papel de externo o de autoridad puede juzgar, pues se aparta e individualiza, pierde su capacidad empática, se posiciona en un lugar de poder y con sus ojos circulares adjudica prejuicios siempre distantes a su propia interpretación individual, jamás se identifica y ve su alrededor como simples hechos lejanos.

Lo circular de igual forma cabe en el campo de reflexión en esta crítica, el hombre camina en círculos dentro de la habitación, hace énfasis en aspectos repetitivos, teme a aquello que es redondo y observa, un campo dual de actor y espectador, doble, aquella doble mirada completa que no tiene por ser tuerto. Se encuentra también quien observa sin una posición neutral, aquella mirada que se encuentra en todos lados, describe y vigila; podríamos mencionar cómo esto se encuentra relacionado con la posición en la que nos encontramos en la actualidad, rodeados de lentes u ojos de cámaras que nos siguen a todos lados, de nueva cuenta lo circular, no sabemos cómo tener la seguridad que del otro lado del lente no se encuentra alguien vigilando, constante y silencioso.