martes, 11 de abril de 2017

“La Jetée” - Chris Marker

“La Jetée”  - Chris Marker
Sallira Mendoza Reséndiz
La manera convencional de presentar un video, al menos en la actualidad, espera ser con cierto número de cuadros por segundo, pero en el momento en el que dicho video se muestra con imágenes fijas, es decir, estáticas, aunque acompañadas de una narración que vaya conformando la historia que se desarrolla, inevitablemente cambia la visión del espectador, sin embargo, no la problematiza del todo, pues permite una fluida comprensión de lo que se está contando.
Aún así, la “historia” que se presenta resulta un poco perturbadora, porque a pesar de comenzar en la memoria de un niño sobre el muelle, destaca el momento en el que éste niño observa cómo muere una persona, justo ahí, en el muelle, marcando su ser, dejando una espina clavada, repercutiendo directamente en lo que se convertiría siendo mayor.
Puesto que al crecer, en París acontecen una serie de bombardeos, donde algunos sobrevivientes deben vivir en las alcantarillas, pero lo primordial es, que dicho niño del inicio, ahora siendo un hombre, es elegido por un grupo de supuestos científicos, debido a que cumple con los requisitos para ciertos experimentos, manteniendo en secreto el desarrollo y propósito de éstos, conducen al hombre en las profundidades de las alcantarillas, encontrándose con más sujetos, algunos en un estado deprimente.
El caso es, que dicho experimento no era nada menos que un viaje en el tiempo, donde el sujeto debía viajar al futuro, investigar ciertos puntos, aunque la intención era comprobar la posibilidad de dicha transportación entre dimensiones temporales, logrando que el hombre, llegue a un punto del pasado, encontrándose con una mujer que se le hacía muy familiar, un rostro que recordaba y que inevitablemente deseaba estar cerca de ella, por ello, cada viaje que hacía, procuraba encontrar a ésta persona, compartiendo visitas a museos o comidas, cargando con cierta emotividad sus viajes.
Hasta el momento en el que se encuentra con ella en un muelle, el cual recordaba vagamente, hasta que la visualizó recordó el momento en el que ya había estado ahí, hasta ese momento tuvo presente que justo en ese muelle, cuando era niño había visto por primera vez a esa mujer, pero uno de los científicos con los que había estado colaborando en sus viajes en el tiempo, lo había perseguido para acabar con él, por lo tanto, la muerte del hombre que había visto en su niñez, había sido la muerte de él mismo, ya de adulto.

Mostrando de cierta manera, la capacidad de recopilar imágenes estáticas, aunque con cierta carga emotiva que las convierte en un instante con movimiento, un momento en el que con un solo elemento de desarrolla una parte de la historia de uno, convirtiendo la memoria en un museo de fotografías, que al tocarlas, las recordamos en su totalidad.

“Memoria devastada” - Cecilia Hurtado y Miriam Salado

“Memoria devastada”  - Cecilia Hurtado y Miriam Salado
Sallira Mendoza Reséndiz
La exposición consta de tres espacios primordiales, la primera es la zona fotográfica, la segunda, la escultórica, y la tercera, formada por algunos dibujos, la parte fotográfica, al mismo tiempo contiene tres divisiones: un video, una serie de cuadros contraponiendo dos fotos con elementos similares, y por último, una superposición de algunos retratos, algo antiguos, con la imagen de algún cráneo, ambos sobre cristal, por lo que apoyado en la transparencia del material, permite que se observen las dos imágenes.
El video, con el que comienza el recorrido de la exposición, permite ver la manera en la que una serie de fotografías, que están siendo quemadas, colocadas en una especie de tendedero, se queman poco a poco, algunas fotos han sido arrugadas y estiradas de nuevo, aunque no en su totalidad, pero con el fin de modificar aquel camino del fuego en su pequeña devastación.
En la serie siguiente, al colocar dos imágenes juntas, compartiendo elementos como ventanas, escaletas, arquitectura, entre otros, juega con la imaginación del espectador, pues éste comienza a entrelazar dichas imágenes creando alguna historia que las conecte, cuando en realidad, una de las fotografías pertenecía a un registro forense, captando la escena donde se había encontrado el cadáver, incluso en algunas de ellas aún podía verse presente, en otros sólo el rastro de donde estuvo.
Con los retratos sobre cristal, desde algunos puntos se visualizaba más el personaje y desde otros el cráneo, jugando con esta superposición de las imágenes, con la representación algo ambigua de un sujeto, que claramente, por la apariencia antigua, ya murió, por lo que al mezclar la fotografía con la más básica representación de la muerte, proyecta un juego con la memoria de quienes pudieron ser, pero que ya fallecieron.
Pasando a las composiciones escultóricas, las cuales se conformaban por dos amontonamientos de materiales distintos, uno de ellos de yeso, con elementos algo complicados de visualizar, pues eran unidades convexas, con pequeñas hendiduras similares a las que se forma en la columna vertebral, en la espalda de un humano en posición fetal, que de hecho correspondían al interior de un caparazón de tortuga, ya que una de las artistas al encontrarse con dicho artefacto vacío, es decir, que ya habían extraído a la tortuga, decidió sacar un molde del rastro del caparazón, donde en algún momento éste registro en yeso, había sido en realidad ocupado por una vida.
La segunda pieza, ya no era en sí un amontonamiento, sino una estructurada formación de figuras en madera, similares a los “recuerdos” que venden en distintos lugares, o más conocidos como “souvenirs”, pero dichas figuras estaban hechas de un tipo de madera muy particular, proveniente de un árbol en peligro de extinción, sin embargo, las unidades que se encontraban presentes en la sala, habían sido desechadas por alguna anomalía o defecto en su producción, desperdiciando la madera utilizada, es decir, haciendo por completo un pésimo uso del árbol que de por sí ya estaban agotando, mostrando la ignorancia del hombre por pretender explotar a toda costa los recursos de la naturaleza, aunque con un uso completamente banal e innecesario.

La última parte de la exposición como tal, mostraba una serie corta de dibujos, representando algunos fragmentos de lo que serían huesos de ballena, dichas imágenes eran a tamaño natural, aunque no con fines anatómicos, sino que dichos huesos habían sido encontrados, arrojados prácticamente a la basura, una vez más mostrando la parte egoísta del humano, aprovechándose de su entorno, en lugar de procurarlo y cuidarlo.

“She gone rogue” - Zachary Ducher


“She gone rogue”  - Zachary Ducher
Sallira Mendoza Reséndiz

La vida de las personas transexuales debe de resultar complicada, no sólo por el hecho de la apariencia, sino por la difícil integración en la sociedad, incluso actualmente, donde supuestamente existe una mentalidad más abierta e incluyente, pero realmente sigue estando presente cierta discriminación al no verlo como “iguales” a otros.

Principalmente porque en algunos momentos se destacan por estar mostrando una estética algo exuberante, particular de los “drag Queens”, ya que éstos pueden o no exagerar algunos elementos femeninos, sea vestimenta o maquillaje, y en algunos casos, dejando claro que se trata de un ser masculino, o sea un hombre, o que en algún momento lo fue.

Por ello, en el video del artista Ducher, puede analizarse aquel proceso que algunos llegan a atravesar, en cuanto a un viaje interior, una lucha personal, para obtener un aceptación propia, una reconciliación con lo que se quiere llegar a ser, aunque también con quienes los rodean, la familia y la sociedad con los que se relacionan, aunque en la propuesta del artista, resulta un trayecto llego de complejas imágenes, con sujetos drag queen, travestis y transexuales, iluminándolo todo con toques psicodélicos.

Volviéndolo un viaje íntimo, aunque problemático, por todos aquellos obstáculos a los que debe de enfrentarse, de manera introspectiva para obtener aquel apoyo y fuerza, para continuar, a pesar de encontrarse en una soledad abrumante, de encontrarse encerrado metafóricamente, atado y privado de aquella libertad interior.

“Them” - Artur Zmijewski

“Them”  - Artur Zmijewski
Sallira Mendoza Reséndiz
El video consta de un pequeño experimento social con personas polacas, donde en un espacio se introducen grupos de 3 a 5 personas aproximadamente, éstas divisiones están impuestas de acuerdo a las distintas creencias de cada uno, ya sean políticas, sociales o incluso religiosas.
Cada conjunto debía realizar una imagen o símbolo que representara sus ideales, ya que lo portarán en playeras para ser así distinguidos entre sí, aunque la propuesta de la obra comienza cuando no hay límite alguno para que dichas personas intervengan en los carteles de los otros, iniciando la clara exposición de la multiplicidad de conflictos que existen.
Es decir, cada individuo con su símbolo que lo representa puede convivir con cualquier otro personaje, pero en el momento en el que dicho elemento idealizado se materializa para ser representado y expuesto, los conflictos y desacuerdos se hacen presentes por igual, no sólo por el hecho de modificar algún detalle o cubrir otro, sino al punto en el que la intención del sujeto es realmente anteponerse a las creencias de los demás, destruyendo dicha imagen, o en este caso, el cartel que los representaba.
En este caso, aunque en un grupo pequeño de personas, se muestra la bestialidad de las personas, donde por la falta de tolerancia hacia los ideales, el respeto se pierde, agrediendo directamente, sin detenerse a escuchar o pretender entender los motivos del otro, aunque eso no signifique que acepten dichos motivos.

Por ello, lo importante de la obra no es la reacción de cada uno de los individuos, sino la propuesta del posible juego con la materialización del símbolo, ya que, en caso de no haberse materializado, la actividad habría perdido el valor que obtuvo, no sólo con la contraposición de ideas, sino la forma de actuar del sujeto.

domingo, 9 de abril de 2017

Final Cut

Final Cut
Zianya López Luna


Esta película que narra la típica historia hollywoodense de como dos personas se conocen y se enamoran tiene un tratamiento novedoso gracias al trabajo de edición. Toda la película está contada por cortes de otras películas, no hay un sólo personaje, en realidad la película no tiene personajes propios, los retoma todos de otras películas, pero genera una secuencia que da coherencia a la historia y que de algún modo permite identificar a los dos personajes principales de la historia. A partir de las escenas de otras películas que reproducen los clichés de comportamiento de hombres y mujeres se generó una historia que hace evidente los lugares comunes valiéndose de estos mismos recursos. Considero que de alguna manera los recursos que utiliza despersonifican la historia y le brindan un carácter más arquetípico. Considero que uno de los aspectos más complejos de esta producción fueron las decisiones de edición que se tomaron, fueron acertadas, porque a pesar de la cantidad de imágenes que aparecen y que rápidamente son reconocidas por el espectador, el resultado final es bastante acertado, ágil y logra que la idea principal si aparezca como un todo congruente. Final Cut exhibe todos los lugares comunes que la industria sigue reproduciendo y que sólo aparecen como novedosos por el tratamiento que se les da.  

Oroxxo

Oroxxo
Zianya López Luna


Es una intervención por parte del artista Gabriel Orozco que se presenta en la Galería Kurimanzutto, en donde recrea una de las conocidas tiendas de autoservicio Oxxo. Al tomar como ejemplo este establecimiento para presentar la obra, Orozco no está hablando del arte como un objeto, lo está tratando como una manifestación, actividad o suceso ligado de manera inmediata con el intercambio económico. El acontecimiento de montar esta reproducción del establecimiento, la participación del público, la venta de productos utilitarios y no pensados con un fin artístico y el propio sistema de compra y venta establecido por el artista son lo que conforman la obra. Dentro del lugar hay dos apartados, uno en donde se pueden comprar productos como los que se encuentran en las tiendas Oxxo pero con dinero que es proporcionado en el mismo lugar y otro en donde los mismos productos se venden a precios radicalmente distintos, mucho más elevados porque a diferencia de los otros tienen una etiqueta, que de algún modo jugaría el papel de logotipo o marca del artista. En este juego que propone Orozco, se hace explícito cómo funciona el mercado del arte, donde el valor de la obra será claramente determinado por la instancia que se encargue de la obra y por la marca que  le confiere estatus a la obra.  

Harun Farocki, Bilder Der Welt Und Inschrift Des Krieges.

Harun Farocki, Bilder Der Welt Und Inschrift Des Krieges.
Zianya López Luna


En este video se evidencia la manera en la que el hombre a lo largo de su desarrollo como humanidad, ha generado nuevas herramientas que se han convertido en tecnología que ha configurado su modo de estar en el mundo de una forma radical. 

No hay una secuencia estricta en el video, sino pequeñas acciones que finalmente generan un discurso en el cual, a mi parecer, el hombre ha utilizado la tecnología como una herramienta que posibilita su existencia, en un inicio protegiéndose de los peligros, facilitándose algunos trabajos muy pesados, hasta llegar a un punto en el que sólo lo distancio de la experiencia, y las posibilidades para usar estos implementos tecnológicos se hicieron totalmente absurdos y desvincularon al hombre de la experiencia con su entorno. 

El video toma como referencia una serie de fotografías hechas en campos de concentración en las cuales las máquinas y las mediciones tienen un riguroso control de las personas y de sus movimientos. Por un momento se olvida que estas máquinas están controladas y fabricadas por otros seres humanos, para controlar y destruir a otros seres humanos, es en la guerra en donde el uso de la tecnología permite una profunda reflexión de la finalidad de su creación. 

Considero que el video de Farocki permite pensar en el absurdo en el que consiste la creación de una gran cantidad de registros, documentos, archivos y fotografías que en este caso tienen como finalidad el control de un grupo de personas, pero que finalmente son inabarcables para la capacidad del hombre.   

Memoria Devastada. Cecilia Hurtado y Miriam Salado

Memoria Devastada. Cecilia Hurtado y Miriam Salado
Zianya López Luna

En esta exposición las dos artistas recurren a la reutilización de materiales para generar nuevos mensajes que sean acompañados por la historia y los significados anteriores de estos. En uno de los extremos de la sala, se expone un video en el que se queman fotografías del proceso en el que la victoria alada se recolocó en el Monumento a la Independencia, después de que ésta se cayera en el sismo de 1957. El video es un eterno loop que recrea el acontecimiento de destrucción-construcción de una imagen muy conocida, pero con una lectura que es más cercana a la reflexión de lo que permanece vigente y que genera un impacto en los espectadores. El sonido que acompaña a este video, y que fue generado para la exposición, replica en todo el espacio, y su marcada repetición acompaña a cada una de las obras dentro del espacio, unificando el discurso curatorial. 


Otra de las obras dentro de la sala es la serie de fotografías en las cuales un par de imágenes muestra en la primera escena, un espacio y en la segunda un acontecimiento que se infiere fue en el mismo lugar pero en fechas distintas. Las dos fotografías de cada par muestran perspectivas de un mismo espacio, y contrastan porque de forma poco explícita incluye algún elemento presente en las dos imágenes. Poner juntas las imágenes genera un nuevo discurso en el que el espectador está siempre tratando de buscar la semejanza o la diferencia entre las dos fotografías, y al mismo tiempo está produciendo sus propias relaciones para descubrir algún tipo de narrativa.

sábado, 8 de abril de 2017

Oroxxo



El presente texto tiene como objetivo exponer una crítica de la obra Oroxxo del artista mexicano Gabriel Orozco, la cual se presentó en la galería Kurimanzutto el mes pasado. La estructura de la obra asemeja el acomodo de una tienda Oxxo, desde los anuncios hasta la estructura de la misma, pasillos, cajas y refrigeradores. El espectador podía circular por la obra como se hace en una instalación, los productos se encontraban vacíos y algunos estaban intervenidos con figuras características del trabajo de Orozco. En la parte de atrás de la tienda se encontraban algunos productos expuestos en forma de exposición en museo. Los productos los podía comprar el público, iba bajando el precio de los mismos conforme pasaba el tiempo. 

Desde mi punto de vista Orozco buscaba una crítica al mercado del arte y de como los productos artísticos han ido convirtiéndose en mercancías, pero al final sólo hace más evidente la idea de que es sentido de la obra sólo es ser un medio por el cual se adquiere una cantidad de dinero, no sale de la idea de que ahora los objetos artísticos sirven como simple mercancía que funciona dentro de un sistema económico al cual todos pertenecemos y no podemos salir de él. 

El crear esta obra sólo crea una circularidad cerrada en el discurso y no establece nuevas formas de plantear a las obras fuera de un sistema ecónomico, desde mi perspectiva, la idea de Orozco en la teoría tiene cierto sentido pero al final en la práctica termina siendo arrastrado por la dinámica del mercado del arte en la cual sólo importa el valor de la obra en relación a la ganancia monetaria que puedas sacar de la misma. 

jueves, 6 de abril de 2017

Oroxxo, Orozco

La obra titulada como Oroxxo por el artista mexicano Gabriel Orozco, es una instalación donde presenta las convencionales tiendas OXXO con cierta participación por parte del artista modificando ciertos aspectos. Dentro de la instalación se podían apreciar la presencia de empleados en cajas, así como productos comúnmente encontrados en dichas tiendas con la peculiaridad de tener etiquetas en sus envolturas, revalorizando dichos productos.

La obra pone en debate el mercado del arte contemporáneo.  Así mismo es posible entender la forma en cómo el mercado va cambiando continuamente y la forma en cómo los espectadores consumimos dichos productos.
 Por otro lado, la obra pone en juego las “verdaderas” concepciones universales que tenemos sobre lo que es arte en nuestros días. Es interesante observar que algo tan banal y habitual como una tienda, especialmente un OXXO, donde asiste casi cualquier tipo de público, está siendo utilizado como un espacio para presentar obras. Así mismo, podemos observar estos juegos simultáneos entre la concepción clásica de una galería donde generalmente el público es mucho menor y más selectivo, presentando obras de arte, en relación a una tienda tan reproducida con objetos frecuentes y ordinarios.


En este caso creo que es interesante la forma en cómo realizamos un diálogo con la obra misma. Al observar los valores reales de los productos tan comúnmente consumidos en los OXXOS, y que al estar en un espacio determinado, difundido por un artista renombrado, con una clase de intervención mínima en el producto, puede revalorar de forma tan crítica el valor monetario de dicha obra, a tal grado de ser consumida sólo un grupo mínimo de la sociedad. Nos hace formularnos la idea de hasta dónde puede llegar un objeto en su cualidad de obra artística con un fundamento más bien argumentativo que técnico. Es analizar las nuevas transformaciones y mutaciones del arte contemporáneo que pone en evidencia los espectadores mismos y sus dichas interpretaciones. 

Memoria Devastada, Cecilia Hurtado & Miriam Salado

En la exposición Memoria devastada pudimos observar una combinación de temáticas diferentes que nos pueden llevar al mismo núcleo.  Creo que en ambos proyectos es necesario visualizar la forma en que las artistas explotaron los materiales.
En la obra de Mirian Salado, podemos visualizar una serie de dibujos realizados, así mismo, podemos detectar una pequeña instalación realizada con pequeñas figurillas con defectos de la madera llamada “palo fierro”.  Es interesante la forma en cómo se situó dicha instalación pues podemos observar el proceso de producción de dichas obras; en el centro podemos detectar grandes y gruesos troncos y conforme se va explayando la obra las figuras y el material se va haciendo más pequeño. 

La obra pone en evidencia la forma en cómo la sociedad actual tiene la necesidad de adquirir objetos sin un valor significativo. Es una sociedad cegada por el consumo masivo  sin generar consciencia en los diferentes efectos y consecuencias que pueden engendrar en un futuro. La deforestación de forma constante  del palo fierro pone en demostración la forma en que intentamos obtener “suvenires” o elementos no necesarios, sin otorgarle la debida importancia el origen de dichos materiales.
La posibilidad de ver la forma en cómo queremos domesticar la naturaleza; tenemos la necesidad de tener figuras en nuestras casas con la representación de curiosos animales, cuando en realidad estamos transgrediendo su hábitat mismo, una sociedad de doble moral.

Por otro lado, tenemos la exposición de Cecilia hurtado, la cual nos presenta una serie de fotografías que ponen en contraste la imagen de homicidios en relación a espacios totalmente desolados. Por otro lado, una serie de fotografías de estudios psicológicos  yuxtapuestas a imágenes de cráneos humanos, y finalmente un video que representaba cómo un personaje quemaba ciertas fotografías de la escultura del Ángel en la Ciudad de México.

A partir de dicha exposición, creo que es posible determinar la forma en cómo visualizamos y nos relacionamos con la muerte. En relación a la serie de fotografías de homicidios y a los espacios desolados, creo que es posible determinar la falta de entidad de un lugar, así como la falta de entidad en los cuerpos. La ambientación caracterizada por la ausencia y la soledad que se ve reflejada por las luces y la decrepitud del tiempo. Un tiempo estático.


Al igual que la obra de Miriam Salado, podemos ver un espacio transgredido por una actividad casi anti natural, un espacio que se caracteriza por la decadencia humana y que deja su marca en los cuerpos abandonados. 

Melanie Bodejo, Night Soil

Night Soil es un video-documental realizado en el año 2012 por la artista Melanie Bodejo en la cual nos permite ver y escuchar las diferentes experiencias de personas jóvenes al usar de ciertas sustancias alucinógenas.
En el video se nos presenta una variedad de jóvenes explicando experiencias y puntos de vista sobre las sustancias estupefacientes y sus nuevas formas de concebir el mundo después de ingerirlas. En yuxtaposición con el documental, la artista nos combina ciertas imágenes con “hashtags” haciendo referencia a estos símbolos que generalmente utilizamos en páginas sociales para hablar de un tema en específico.
Por otro lado, es interesante ver a las personas estando presente en rituales, siempre teniendo contacto con la tecnología, en este caso tabletas o celulares. Así mismo, sus rituales van más allá de cualquier arquetipo, pues vemos que utilizan colores, vestuarios, y estampas saliendo de lo convencional y casi rosando lo ridículo.

La artista pone en evidencia estas nuevas concepciones y actos que hemos transformado a través del tiempo. Estamos constantemente realizando una deconstrucción a partir de un pasado. Resulta que comenzamos a adoptar estas tradiciones que se han ido realizando a través de los siglos, y las adaptamos a nuestras nuevas formas de vida y nuestros propios rituales con objetivo de autoconocernos.
Por otro lado, podemos ver que el principal objetivo de los rituales es realizar esta unión alma cuerpo y espíritu, que generará el autoconocimiento. Podemos entender que el medio o el proceso puede irse adecuando a las necesidades contemporáneas de la sociedad, aunque la necesidad por encontrar la esencia de uno mismo y las constantes preguntas de nuestra existencia dentro del planeta siguen vigentes en el paso de los tiempos.


Artur Zmijeuski, THEM


El video realizado en el año 2007 por el artista Artur Zmijeuski, pone en evidencia la forma en cómo el arte puede ser un medio para la demostración de la ciudad y la forma en cómo nos desenvolvemos e una sociedad.


El video dura aproximadamente veinte minutos y nos presenta a cuatro grupo de personas (cada uno conformado aproximado por ocho) quienes tienen ideales sociales completamente diferentes. Cada uno de los grupos tiene como objetivo realizar un mural efímero en cual represente los valores más representativos de sus ideales. Al finalizar, cada grupo puede modificar y realizar cualquier tipo de cambio a los murales de sus compañeros. Poniendo en mesa los diferentes puntos de vista y conflictos.
Posteriormente podemos observar la forma en cómo poco a poco comienzan a modificar los carteles, con cambios muy básicos y superficiales. Poco a poco, podemos ir analizando la forma en cómo empiezan a tener conflictos entre ellos por los contrastes de la forma de pensar, que pronto llevarán a la violencia.

Zmijeuski pone en evidencia la forma en cómo nos desenvolvemos con personas que tienen mentalidades completamente distintas a la nuestras que poco a poco van generando disputas que nos guiarán a un destino de violencia. Podemos observar que algunos de los grupos cayeron en los extremos y decidieron actuar de forma radical, y cómo consecuencia generó un problema mayor que no pudo ser controlado por ellos mismos. Que llevó a que todos los presentes en la habitación salieran de forma rápida para su propia salvación.


En relación a la sociedad misma, es posible entender que nos vemos cegados continuamente por la forma en que otras personas piensan. La falta de respeto y de tolerancia hacia las personas que nos lleva a destinos fatales. Destinos que nos llevan a la destrucción de la raza misma, violentando nuestra propia naturaleza a tal grado de despojarnos de cualquier característica humana y sensible. 

lunes, 3 de abril de 2017

Fer Moreno - she gone rouge

Universidad del Claustro de Sor Juana
Estudios e Historia del Arte
Taller crítica del arte
Docente: Napoleón Camacho Brandi
5to cuatrimestre
15 de marzo de 2017
Fernanda Moreno Septién

Short Film: She Gone Rogue. Artista: Zackary Drucker y director: Rhys Ernst.


Este short film es una fusión de video performance en el que el protagonista es transgénero y mantiene su identidad de alguna forma, muy anónima. Esta persona a lo largo del film te acerca a problemas y reflexiones que tiene en su vida, pero siendo espectador te confundes si sus problemas habitan dentro de él, si está viviendo la realidad o todo el video está en un sueño proyectando sus deseos y miedos.


Se puede llegar a reflexionar que, al igual que cualquier humano, esta persona se enfrenta a la vida cotidiana, cargada de problemas que afectan su visión del futuro. El desear “ser normal” es un vago recuerdo de lo que pudiste, tal vez, haber sido. Pero esa categoría en la actualidad es un problema para todos, incluidos los transgéneros. Desear tener una pareja promedio y vivir en un hogar promedio puede ser el deseo de este personaje, pero ¿cómo alcanzarlo? Su vida ha pasado por caminos distintos que lo desvían de este objetivo final pero lo desea y comienza, a mi parecer, a dudar de su propia identidad. ¿Quién soy realmente? ¿Cuál es mi objetivo? La actitud del personaje principal es comparada con distintos personajes que han tenido una vivencia similar y creo que es una lucha constante por querer identificarse en el otro, pero también consigo mismo para poder reconciliarse con su rol dentro de la sociedad.